Rassegna stampa di Sydney Pollack

LOS ANGELES — Sydney Pollack, a Hollywood mainstay as director, producer and sometime actor whose star-laden movies like “The Way We Were,”“Tootsie” and “Out of Africa” were among the most successful of the 1970s and ’80s, died Monday at home here. He was 73.
The cause was cancer, said the publicist Leslee Dart, who spoke for his family.
Mr. Pollack’s career defined an era in which big stars (Robert Redford, Barbra Streisand, Warren Beatty) and the filmmakers who knew how to wrangle them (Barry Levinson, Mike Nichols) retooled the Hollywood system. Savvy operators, they played studio against studio, staking their fortunes on pictures that served commerce without wholly abandoning art.
Hollywood honored Mr. Pollack in return. His movies received multiple Academy Award nominations, and as a director he won an Oscar for his work on the 1985 film “Out of Africa” as well as nominations for directing “They Shoot Horses, Don’t They?” (1969) and “Tootsie” (1982).
“Michael Clayton,” of which Mr. Pollack was a producer and a member of the cast, was nominated for a best picture Oscar earlier this year. He delivered a trademark performance as an old-bull lawyer who demands dark deeds from a subordinate, played by George Clooney. (“This is news? This case has reeked from Day 1!” snaps Mr. Pollack’s Marty Bach.) Most recently, Mr. Pollack portrayed the father of Patrick Dempsey’s character in “Made of Honor.”
Mr. Pollack became a prolific producer of independent films in the latter part of his career. With a partner, the filmmaker Anthony Minghella, he ran Mirage Enterprises, a production company whose films included Mr. Minghella’s “Cold Mountain” and the documentary “Sketches of Frank Gehry,” released in 2006, the last film directed by Mr. Pollack.
Mr. Minghella died in March, at the age of 54, of complications from surgery for tonsil cancer.

Apart from the Gehry documentary, Mr. Pollack never directed a movie without stars. His first feature, “The Slender Thread,” released by Paramount Pictures in 1965, starred Sidney Poitier and Anne Bancroft. In his next 19 films — every one a romance or drama but for the single comedy, “Tootsie” — Mr. Pollack worked with Burt Lancaster, Natalie Wood, Jane Fonda, Robert Mitchum, Al Pacino, Dustin Hoffman, Meryl Streep, Tom Cruise, Harrison Ford, Nicole Kidman, Ms. Streisand and others. A frequent collaborator was Robert Redford.
“Sydney’s and my relationship both professionally and personally covers 40 years,” Mr. Redford said in an e-mailed statement. “It’s too personal to express in a sound bite.”
Sydney Irwin Pollack was born on July 1, 1934, in Lafayette, Ind., and reared in South Bend. By Mr. Pollack’s own account, in the book “World Film Directors,” his father, David, a pharmacist, and his mother, the former Rebecca Miller, were first-generation Russian-Americans who had met at Purdue University.
Mr. Pollack developed a love of drama at South Bend High School and, instead of going to college, went to New York and enrolled at the Neighborhood Playhouse School of the Theater. He studied there for two years under Sanford Meisner, who was in charge of its acting department, and remained for five more as Mr. Meisner’s assistant, teaching acting but also appearing onstage and in television.
Curly-haired and almost 6 feet 2 inches tall, Mr. Pollack had a notable role in a 1959 “Playhouse 90” telecast of “For Whom the Bell Tolls,” an adaptation of the Hemingway novel directed by John Frankenheimer. Earlier, Mr. Pollack had appeared on Broadway with Zero Mostel in “A Stone for Danny Fisher” and with Katharine Cornell in “The Dark Is Light Enough.” But he said later that he probably could not have built a career as a leading man.
Instead, Mr. Pollack took the advice of Burt Lancaster, whom he had met while working with Mr. Frankenheimer, and turned to directing. Mr. Lancaster steered him to the entertainment mogul Lew Wasserman, and through him Mr. Pollack landed a directing assignment on the television series “Shotgun Slade.”
After a faltering start, he hit his stride on episodes of “Ben Casey,” “Naked City,”“The Fugitive” and other shows. In 1966 he won an Emmy for directing an episode of “Bob Hope Presents the Chrysler Theater.”
From the time he made his first full-length feature, “The Slender Thread,” about a social work student coaxing a woman out of suicide on a help line, Mr. Pollack had a hit-and-miss relationship with the critics. Writing in The New York Times, A. H. Weiler deplored that film’s “sudsy waves of bathos.” Mr. Pollack himself later pronounced it “dreadful.”
But from the beginning of his movie career, he was also perceived as belonging to a generation whose work broke with the immediate past. In 1965, Charles Champlin, writing in The Los Angeles Times, compared Mr. Pollack to the director Elliot Silverstein, whose western spoof, “Cat Ballou,” had been released earlier that year, and Stuart Rosenberg, soon to be famous for “Cool Hand Luke” (1967). Mr. Champlin cited all three as artists who had used television rather than B movies to learn their craft.
Self-critical and never quite at ease with Hollywood, Mr. Pollack voiced a constant yearning for creative prerogatives more common on the stage. Yet he dived into the fray. In 1970, “They Shoot Horses, Don’t They?,” his bleak fable of love and death among marathon dancers in the Great Depression, based on a Horace McCoy novel, received nine Oscar nominations, including the one for directing. (Gig Young won the best supporting actor award for his performance.)
Two years later, Mr. Pollack made the mountain-man saga “Jeremiah Johnson,” one of three closely spaced pictures in which he directed Mr. Redford.
The second of those, “The Way We Were,” about ill-fated lovers who meet up later in life, also starred Ms. Streisand and was a huge hit despite critical hostility.
The next, “Three Days of the Condor,” another hit, about a bookish C.I.A. worker thrust into a mystery, did somewhat better with the critics. “Tense and involving,” said Roger Ebert in The Chicago Sun-Times.
With “Absence of Malice” in 1981, Mr. Pollack entered the realm of public debate. The film’s story of a newspaper reporter (Sally Field) who is fed a false story by federal officials trying to squeeze information from a businessman (Paul Newman) was widely viewed as a corrective to the adulation of investigative reporters that followed Alan J. Pakula’s hit movie “All the President’s Men,” with its portrayal of the Watergate scandal.
But only with “Tootsie,” in 1982, did Mr. Pollack become a fully realized Hollywood player. By then he was represented by Michael S. Ovitz and the rapidly expanding Creative Artists Agency. So was his leading man, Dustin Hoffman.
As the film — a comedy about a struggling actor who disguises himself as a woman to get a coveted television part — was being shot for Columbia Pictures, Mr. Pollack and Mr. Hoffman became embroiled in a semi-public feud, with Mr. Ovitz running shuttle diplomacy between them.
Mr. Hoffman, who had initiated the project, argued for a more broadly comic approach. But Mr. Pollack — who played Mr. Hoffman’s agent in the film — was drawn to the seemingly doomed romance between the cross-dressing Hoffman character and the actress played by Jessica Lange.
If Mr. Pollack did not prevail on all points, he tipped the film in his own direction. Meanwhile, the movie came in behind schedule, over budget and surrounded by bad buzz.
Yet “Tootsie” was also a winner. It took in more than $177 million domestically and received 10 Oscar nominations, including for best picture. (Ms. Lange took home the film’s only Oscar, for best supporting actress.)
Backed by Mr. Ovitz, Mr. Pollack expanded his reach in the wake of success. Over the next several years, he worked closely with both TriStar Pictures, where he was creative consultant, and Universal, where Mirage, his production company, set up shop in 1986.
Mr. Pollack reached perhaps his pinnacle with “Out of Africa.” The film, based on the memoirs of Isak Dinesen, paired Ms. Streep and Mr. Redford in a drama that reworked one of the director’s favorite themes, that of star-crossed lovers. It captured Oscars for best picture and best director.
Still, Mr. Pollack remained uneasy about his cinematic skills. “I was never what I would call a great shooter or visual stylist,” he told an interviewer for American Cinematographer last year. And he developed a reputation for caution when it came to directing assignments. Time after time, he expressed interest in directing projects, only to back away. At one point he was to make “Rain Man,” a Dustin Hoffman picture ultimately directed by Mr. Levinson; at another, an adaptation of “The Night Manager” by John le Carré.
That wariness was undoubtedly fed by his experience with “Havana,” a 1990 film that was to be his last with Mr. Redford. It seemed to please no one, though Mr. Pollack defended it. “To tell you the truth, if I knew what was wrong, I’d have fixed it,” Mr. Pollack told The Los Angeles Times in 1993.
“The Firm,” with Tom Cruise, was a hit that year. But “Sabrina” (1995) and “Random Hearts” (1999), both with Harrison Ford, and “The Interpreter” (2005), with Nicole Kidman and Sean Penn, fell short, as Hollywood and its primary audience increasingly eschewed stars for fantasy and special effects.
Mr. Pollack never stopped acting; in a recent episode of “Entourage,” the HBO series about Hollywood, he played himself.
Among Mr. Pollack’s survivors are two daughters, Rebecca Pollack and Rachel Pollack, and his wife, Claire Griswold. The couple married in 1958, while Mr. Pollack was serving a two-year hitch in the Army. Their only son, Steven, died at age 34 in a 1993 plane crash in Santa Monica, Calif.
In his later years, Mr. Pollack appeared to relish his role as elder statesman. At various times he was executive director of the Actors Studio West, chairman of American Cinematheque and an advocate for artists’ rights.
He increasingly sounded wistful notes about the disappearance of the Hollywood he knew in his prime. “The middle ground is now gone,” Mr. Pollack said in the fall 1998 issue of New Perspectives Quarterly. He added, with a nod to a fellow filmmaker: “It is not impossible to make mainstream films which are really good. Costa-Gavras once said that accidents can happen.”
By Sydney Pollack. A selected filmography:
“The Slender Thread” (1965)
“This Property Is Condemned” (1966)
“The Scalphunters” (1968)
“The Swimmer” (1968) (uncredited)
“Castle Keep” (1969)
“They Shoot Horses, Don’t They?” (1969)
“Jeremiah Johnson” (1972)
“The Way We Were” (1973)
“The Yakuza” (1974)
“Three Days of the Condor” (1975)
“Bobby Deerfield” (1977)
“The Electric Horseman” (1979)
“Absence of Malice” (1981)
“Tootsie” (1982)
“Out of Africa” (1985)
“Havana” (1990)
“The Firm” (1993)
“Sabrina” (1995)
“Random Hearts” (1999)
“The Interpreter” (2005)
“Sketches of Frank Gehry” (2005)
Da The New York Times, 27 maggio 2008

Sydney Pollack’s career as a director blossomed in the 1960s and ’70s, but in many ways he was a throwback to an earlier era in American movies.
The story of the New Hollywood, dominated by a wild bunch of ambitious, iconoclastic would-be auteurs, is by now overgrown with nostalgia and legend-mongering, but Mr. Pollack’s place in that legend suggests continuity rather than upheaval. The vitality of motion pictures has always been sustained by craftsmen with a modicum of business sense and the ability to tell a good story. Mr. Pollack, who died on Monday at 73, was never (and never claimed to be) a great innovator or a notable visual stylist. If he could be compared to a major figure from the Old Hollywood, it would not be to one of the great individualists like Howard Hawks or John Ford, who stamped their creative personalities onto every project, whatever the genre or the level of achievement. Mr. Pollack was more like William Wyler: highly competent, drawn to projects with a certain quality and prestige and able above all to harness the charisma of movie stars to great emotional and dramatic effect.

Just about any film by Robert Altman or Martin Scorsese, for instance, will be immediately and primarily identifiable as such, no matter who’s in it. But if you think of “They Shoot Horses, Don’t They?,” you’ll remember Jane Fonda, so desperate and defiant and sad as she pushes herself through a Depression-era dance marathon. “Tootsie” is Dustin Hoffman’s movie. “This Property Is Condemned” will conjure up Natalie Wood and Robert Redford, oddly cast but nonetheless generating Southern Gothic heat in an overripe Tennessee Williams scenario. And it is Mr. Redford who defines Mr. Pollack’s oeuvre nearly as much as the director himself. Over nearly 25 years, from “This Property Is Condemned” to “Havana,” they worked together on westerns (“Jeremiah Johnson,”); love stories both sweeping (“The Way We Were”) and intimate (“The Electric Horseman”); paranoid thrillers (“Three Days of the Condor”); and high-toned literary adaptations (“Out of Africa.”)
Those movies demonstrate both Mr. Redford’s consistency — he’s handsome, stoic, adjusting the mix of sensitivity and mischief depending on the role — and Mr. Pollack’s range. He was an exemplary mainstream filmmaker, which is not to say that he was a timid or unimaginative director. As a producer, he was certainly prolific and eclectic, putting his name on (and his energy and enthusiasm behind) projects as varied in scale and style as “The Fabulous Baker Boys,”“The Talented Mr. Ripley” and “Forty Shades of Blue.” In both capacities he worked, comfortably and with conviction, within the parameters of the Hollywood “A picture” tradition, turning out high-quality commercial entertainments that did not shy away from ethical and political engagement.
His death is a reminder that things have changed, that the kind of movie he made, which used to be the kind of movie everyone wanted to make (and to see), may be slipping into obsolescence. His last completed feature, “The Interpreter,” with Nicole Kidman and Sean Penn hashing out the traumas of postcolonial African politics at the United Nations, struggled to find the mix of topicality and high intrigue that had come so easily in the ’70s, but it mostly seemed forced and preposterous. The blend of big stars with meaty, serious themes; lavish production values; and unstinting professionalism that once would have seemed foolproof looked downright anachronistic.
The old A pictures, made for mass appeal and Oscar glory, no longer have the industry cachet or cultural impact they used to. The studios send their specialty divisions out in search of awards on the relative cheap, while action franchises, raunchy comedies and family-friendly animation bring in the big money and attract the heavy investments.
There are exceptions, from time to time, movies that try to steer between the art house and the lowest common denominator in the great Hollywood middle-brow tradition. Tony Gilroy’s “Michael Clayton,” a tale of corporate malfeasance with a smart script, a few murders and George Clooney’s charisma, may be the best recent example. It’s hardly an accident that Mr. Pollack’s name appears in the credits twice, as a producer and as a member of the cast.
It would be nice if “Michael Clayton” turned out not to be an anomaly but rather a sign that the old mainstream has not entirely run dry. And I hope that there are at least aspiring filmmakers and producers out there who dream of being the next Sydney Pollack. 
Da The New York Times, 28 maggio 2008

Il decennio 1966-1975 di Sydney Pollack - regista, sceneggiatore, montatore, produttore e attore, morto ieri a Los Angeles a settantatré anni - è stato uno degli ultimi grandi momenti di Hollywood. Questa ragazza è di tutti, Non si uccidono così anche i cavalli?, Corvo rosso non avrai il mio scalpo, Come eravamo, I tre giorni del Condor e Yakuza non esprimono solo senso della dignità e della libertà; esprimono anche quel che i film americani più costosi dovevano rimuovere, come il senso del tragico, mantenendo quel che la moda sessantottarda rimuoveva come un orpello: il senso dell'onore.
Per questa sintesi di rivoluzione e conservazione, di ciò che tornava a essere con ciò che era sempre stato elemento di spettacolo, quei film sono invecchiati relativamente bene. Non si direbbe altrettanto di altri film coevi, allora più quotati presso la critica europea, che inizialmente guardava a Pollack con sufficienza. Meno estremista di Alan J. Pakula e Hal Ashby, meno velleitario di Dennis Hopper e Bob Rafelson, Pollack insospettiva anche la vasta cinefilia di sinistra; affascinava invece la meno vasta cinefilia di destra (ma ciò avrebbe fatto vendere ai suoi film solo dieci biglietti in Italia e cento in Francia). A contare era che Pollack fosse in sintonia col grosso pubblico: questo di lui piaceva alle majors, prontissime ad affidarsi a grandi talenti quando sono sinonimi di grandi incassi: Come eravamo e I tre giorni del Condor lo furono. Si ricordi il primo quarto d'ora di quest'ultimo, quasi una danza: poche parole, tanti colpi col silenziatore, rumori di telescriventi. Un incipit che diede speranza a chiunque mal sopportasse i colleghi d'ufficio: la speranza che il sicario Max von Sydow ne sfoltisse i ranghi...

Pur nella sua vocazione autoriale, Pollack non pretese mai di raccontare solo quel che piaceva a lui. Lavorava volentieri su sceneggiature altrui, che toccavano il cuore anche dell'America profonda. Figlio di ebrei d'Ucraina, nato nell'Indiana della Grande depressione, sapeva parlare il linguaggio giusto per i ceti medi della provincia, oltre che per gli intellettuali di New York, Boston e Los Angeles.
Perciò Pollack poté circondarsi del meglio dello star-system. Sapeva scegliere attori non ancora divi e renderli tali, come l'amico Robert Redford, accanto al quale aveva recitato nel 1962 in Caccia di guerra di Denis Sanders. L'esordio registico nel cinema avvenne per Pollack dopo la buona prova come regista tv nelle serie Alfred Hitchcock, Ai confini della realtà e Il dottor Kildare. Fu La vita corre sul filo, dimenticabile dramma telefonico, dove la voce amica di un altro Sydney, Poitier, salva un'Ann Bancroft, inizialmente ignara del colore della pelle dell'interlocutore. Tootsie, satira della tv di massa con Dustin Hoffman travestito da donna, coi suoi lauti incassi traghettò definitivamente Pollack verso una serena vecchiaia. Il meglio della carriera era ormai alle spalle. Davanti c'erano però ancora i riconoscimenti tardivi, col sesto film dei sette nei quali diresse Redford: il prolissso La mia Africa, tratto dal romanzo autobiografico di Karen Blixen (interpretata da Meryl Streep). Ne derivarono sette Oscar, inclusi quello per il miglior film e la miglior regia.
Gli altri interpreti, quelli dei suoi titoli migliori, sono stati Jane Fonda, Natalie Wood, Faye Dunaway e Robert Mitchum, immessi in storie talora banali, ma sempre filtrate da scrittori diversissimi ma sempre di valore, come Tennessee Williams (Questa ragazza è di tutti), Horace McCoy (Non si uccidono così anche i cavalli?) e James Grady (I tre giorni del Condor, che erano Sei sulla pagina). Oppure in sceneggiature originali di Arthur Lorents e David Rayfiel (Come eravamo), John Milius (Corvo rosso), Leonard e Paul Schrader (Yakuza, apice del suo cinema).
Ci sarebbe poi stato per Pollack il declino dorato: uno stanco rifacimento di Casablanca, ancora con Redford nel ruolo già di Bogart e con un'altra svedese, Lena Olin, nel ruolo già della Bergman: Havana; quindi Il socio, tratto dal romanzo di John Grisham, interpretato da Tom Cruise; il rifacimento di Sabrina, con Harrison Ford nel ruolo già di Bogart e con Julia Ormond nel ruolo già di Audrey Hepburn; Destini incrociati, ancora con Ford e Krystin Scott Thomas, adulterio e contro-adulterio nella scia dell'analogo Eyes Wide Shut, che Pollack aveva montato alla morte di Stanley Kubrick. Ultime sue regie, The Interpreter con Nicole Kidman e Sean Penn, e il documentario Frank Gehry; ultima sua recitazione, Un amore di testimone di Paul Weiland (che uscirà il 12 giugno). Tutto era ormai solo routine: dopo la morte in un incidente aereo di Steven, il figlio maschio avuto da Claire Grisworld, nulla importava più molto a Pollack.
Da Il Giornale, 28 maggio 2008

Come epitaffio avrebbe voluto una sua stessa battuta, intrisa di quel finissimo humour ebraico che aveva nel sangue: «Non è vero che i film che ami di più sono quelli che ricordi più volentieri. Ti viene sempre in mente la fatica dannata che ti sono costati!».

Così scherzava il premio Oscar Sydney Pollack, morto lunedì sera a Los Angeles nella sua casa di Pacific Palisades, a 73 anni (ne avrebbe compiuti 74 il primo luglio), a causa di un tumore allo stomaco. Se ne è andato lasciando un segno indelebile nel cinema internazionale, del quale rappresentava il trade union tra il tradizionale divismo americano e la cinematografia innovativa delle ultime generazioni. Pollack ha definito un'epoca in cui sia alcuni registi (oltre a lui, Barry Levinson e Mike Nichols) sia star come Robert Redford, Barbra Streisand e Warren Beatty, avevano cambiato i meccanismi di Hollywood raggiungendo successi di cassetta senza abdicare alle ambizioni artistiche. Ha diretto 21 pellicole e 10 show televisivi, recitando in oltre trenta tra film e producendo più di 44 pellicole. Stanley Kubrick ricorse a lui come attore nella lunga avventura di "Eyes Wide Shut" dopo l'abbandono di Harvey Keitel.

«Recito per un solo motivo, per spiare quei registi che non ti fanno mai entrare sul set e marcano il territorio come gli animali. Così, quando Woody Allen o Stanley Kubrick mi proponevano un ruolo, ci andavo di corsa, ma ho recitato anche in un'opera prima ("Michael Clayton") con George Clooney», aveva raccontato solo un anno fa a Roma presentando il suo documentario sull'architetto "Frank Gehry, creatore di Sogni". Oltre al premio alla Carriera (prese il Pardo d'onore a Locarno nel 2002), grazie alla sua opera cult "La mia Africa" (1986) vinse 7 Oscar (miglior film, migliore regia, sceneggiatura, fotografia, colonna sonora, sonoro e scenografia). In molti ricordano anche la sua regia in "Tootsie", con Dustin Hoffman, film al secondo posto nella categoria delle commedie subito dopo l'immortale "A qualcuno piace caldo".
Mentre "Come eravamo" (1973) con Barbra Streisand e Robert Redford, e "La mia Africa", con Meryl Streep e Redford, figurano tra i primi 100 nella classifica dei film d'amore più amati dagli americani. Si deve proprio a Pollack l'aver trasformato Robert Redford in un vero attore-feticcio: insieme hanno fatto 7 film a cominciare da "Questa ragazza è di tutti" (1966) al leggendario "Corvo Rosso non avrai il mio scalpo" (1972), passando per il sentimentale "Come eravamo" (1973), per la spy story "I tre giorni del Condor" (1975) e per finire con "Il cavaliere elettrico" (1979), il kolossal "La mia Africa" (1985) e "Havana" (1990). A Redford, Pollack ha affidato i ruoli più belli, affiancandolo poi nella creazione del Sundance Institute. Il cinema che hanno realizzato è stato segnato da una grande amicizia: democratici convinti, inseriti nel sistema produttivo ma capaci di plasmarlo secondo la propria idea di cinema, Pollack e Redford hanno occupato la scena degli anni '70, per rivisitare e rinnovare insieme, e tramite il cinema, la cultura americana. Verso la fine della sua carriera, Pollack era diventato produttore di film indipendenti: con il partner Anthony Minghella (scomparso nel marzo scorso), aveva creato la casa di produzione Mirage Enterprises, da cui era nato "Cold Mountain" (2003) e nel 2007 il documentario "Sketches of Frank Gehry", ultimo film diretto da Pollack dopo "L'interprete" con Nicole Kidman, girato dentro le Nazioni Unite nel 2005.
«Il momento più bello di questo mestiere è quando si arriva al montaggio. Sei finalmente solo, non devi passare tutto il tuo tempo a organizzare gli altri, ti senti come uno scultore che cava dal marmo la sua forma e dai un senso a quello che avevi scritto», raccontava con la sua proverbiale ironia. Newyorkese nell'animo ed europeo nella cultura, Sydney Pollack, figlio di un immigrato ebreo-russo, ha sofferto gravi drammi familiari: la madre morì giovanissima, distrutta dall'alcool, quando Sydney aveva appena 16 anni. Arrivato a New York nel 1952, studiò regia e recitazione ma il suo primo mentore, fin dal debutto a Hollywood, fu Burt Lancaster che lo volle a curare il doppiaggio americano de "Il Gattopardo". La sua recente carriera è ricca di divertisment, come il remake di "Sabrina" (1995) e la collaborazione con Harrison Ford, culminata in "Destini incrociati" (1999).

Chiacchierano dei rispettivi lavori, come due ragazzini alle prese con i compiti. Condividono il vizio di rimandare fino all’ultimo, l’angoscia della scadenza che si avvicina, il timore di non farcela. Soprattutto, hanno lo stesso incubo: qualcuno prima o poi li sbugiarderà, rivelando il bluff. Sono Sydney Pollack, che del documentario è anche regista, e Frank Gehry, l’architetto del Guggenheim Museum a Bilbao (in “Frank Gehry: creatore di sogni”, da Feltrinelli il dvd). L’architetto canadese qualche problema lo ha avuto: il Mit gli ha chiesto i danni, constatate le infiltrazioni d’acqua nell’anfiteatro da lui disegnato e costruito appena un anno prima. A Sydney Pollack i danni non li chiederà nessuno. Qualche suo film lo abbiamo amato molto, qualche altro meno, il trascorrere degli anni non sempre ha portato consiglio (però neppure Cassandra poteva immaginare che un ruolo in “Eyes Wide Shut” di Stanley Kubrick si sarebbe rivelato il disastro che è, per morte intempestiva del regista). Ma il suo nome resta a garanzia di un equilibrio d’altri tempi tra intelligenza, originalità, ragioni di un’industria che ama il suo pubblico. Era lui l’unico, parlando di sé, a dubitare della propria bravura. In un’intervista apparsa sull’American Cinematographer, mensile supertecnico letto come una bibbia dagli addetti ai lavori, liquidò il proprio “visual style” come “poco interessante”.

Dopo l’apprendistato in teatro, nel cinema aveva fatto molti mestieri. Aveva insegnato recitazione, aveva fatto l’attore e il produttore – l’ultima volta in “Michael Clayton” con George Clooney, che ora ne rimpiange anche le doti di conversatore –, si era associato con Anthony Minghella, aveva diretto 80 puntate per varie serie tv (tra cui “Il fuggitivo”), era diventato campione di incassi nel 1982, con “Tootsie”: 177 milioni di dollari solo negli Usa, il secondo posto nella top list dell’anno dopo “E. T.”. Con “La mia Africa”, e le star Robert Redford e Meryl Streep, arrivarono sette Oscar. Non sta tra i nostri preferiti – la danese Karen Blixen era un genio quando scriveva racconti, molto meno nell’autobiografia esotica e sentimentale –, ma sappiamo che ha una schiera di ammiratori pronti a litigare in sua difesa.
Nel 1969 aveva messo a segno il primo colpo grosso: “Non si uccidono così anche i cavalli?”. Tratto da un romanzo di Horace McCoy, ambientato nella California della Grande Depressione, racconta una maratona danzante. Per vincere 1.500 dollari, Jane Fonda e Michael Sarrazin ballano fino allo sfinimento, tra coppie di altri poveracci, mangiando e bevendo senza perdere il ritmo. Dopo qualche giorno lei molla: preferisce suicidarsi con mezzi più sicuri. Rivisto oggi, fa l’effetto di un pugno nello stomaco. Nove nomination agli Oscar, ma il trionfatore dell’anno fu John Schlesinger con “Un uomo da marciapiede”.
Ha un posto d’onore nei nostri incubi, e ancor più nelle notti insonni dei complottisti, “I tre giorni del condor”, uscito nel 1975. Provate voi ad andare in ufficio una mattina, trovando i colleghi d’ufficio morti alle rispettive scrivanie. Anche per uno che lavora nell’intelligence, non è situazione prevista dal mansionario. Solo Robert Redford poteva nello stesso tempo salvare la pelle e svelare le devianze dei servizi, tra atmosfere alla Hitchcock e complicazioni politiche. Intreccio perfettamente calibrato, come non succederà più: basta confrontarlo con “Michael Clayton” e la sua tremenda multinazionale, per scoprire che il grande cinema popolare oggi chiude un occhio sulle sceneggiature per concentrarsi sul messaggio (la stessa infelice decadenza tocca ai film di guerra, negli anni trascorsi tra il Vietnam e l’Iraq). Perfino Pollack, nel suo tentativo più recente, è scivolato su Nicole Kidman e sui dialetti africani di “The Interpreter”.
Varie generazioni, non solo di femmine, hanno pianto per la storia d’amore tra Robert Redford e Barbra Streisand in “Come eravamo”, arrivato nei cinema dopo un drastico taglio di quasi un’ora, cosa di cui il regista mai si lamentò. Nella classifica delle grandi passioni stilata dall’American Film Institute, viene prima del “Dottor Zivago” e di “Love Story”. Scoperto il proprio lato romantico, Pollack aggiunse un po’ di rosa anche a “Tootsie”. Su gentile richiesta di Dustin Hoffman, recitò nel piccolo grande ruolo dell’agente. Con la stessa ironia, nel film francese “Un po’ per caso un po’ per desiderio”, fece la caricatura del regista americano in Europa, alle prese con un biopic su Simone De Beauvoir.
Da Il Foglio, 28 maggio 2008

Ha conciliato impegno e incassi, ha conquistato la statuetta con "La mia Africa".
Oltre a Robert Redford ha diretto Dustin Hoffman, Harrison Ford, Tom Cruise.
HOLLYWOOD perde uno dei suoi rappresentanti più innovativi. Sydney Pollack è morto nella sua casa di Los Angeles. Lo ha annunciato il suo agente e amico Leslee Dart, riferendo che il regista, 73 anni, da qualche mese era malato di tumore. Gli ultimi giorni li ha passati nella sua abitazione di Pacific Palisades, circondato dalla moglie Claire Griswold, le due figlie Rebecca e Rachel e il fratello Bernie.
Nato il 1 luglio 1934 a Lafayette, nell'Indiana, Sydney Pollack è stato regista, attore e produttore tra i più inventivi appartenenti alla schiera della Nuova Hollywood. Così come alcuni colleghi, come Barry Levinson e Mike Nichols, Pollack non ha mai rinunciato alle ambizioni artistiche dirigendo grandi interpreti e ottenendo successi di critica e soprattutto di pubblico.

Pollack ha firmato capolavori come Questa ragazza è di tutti (1966), Non si uccidono così anche i cavalli? (1969) che ottenne ben nove candidature agli Oscar, Corvo rosso non avrai il mio scalpo (1972) ma soprattutto Come eravamo (due Oscar per le musiche) e I tre giorni del Condor (1975), opera che narra gli intrighi della Cia ma nella quale è facile percepire il richiamo all'oscura vicenda del Watergate, di tre anni prima. Quasi tutti i suoi film in questo periodo hanno per protagonista Robert Redford affiancato da Natalie Wood, Jane Fonda, Faye Dunaway, Barbra Streisand.
Negli anni 80, in piena era reaganiana, Pollack ha gradatamente preso le distanze dal suo stile di denuncia e di analisi sociale per convertirsi in abile artigiano del cinema popolare, confezionando veri e propri successi non privi di pregio artistico e approfondimento politico, come Diritto di cronaca (1981) con Paul Newman e Tootsie (1982) con Dustin Hoffman, che ottiene dieci nomination ma conquista un solo Oscar a Jessica Lange.
Dopo qualche riconoscimento di contorno, Pollack ha coronato la propria carriera nell'86, conquistando sette statuette su 11 nomination per La mia Africa (1985), tra cui quelle per miglior film e miglior regia. Il suo palmares complessivo resta comunque invidiabile, e comprende tra l'altro un Golden Globe, un paio di David di Donatello, un Nastro d'Argento a Venezia, una menzione speciale a Berlino.
Gli anni Novanta sono alternati tra alti e bassi. Adattando il best seller di John Grisham costruisce su misura per Tom Cruise Il socio (1993), forse il suo ultimo grande successo. Poi è la volta di Harrison Ford che dirige prima nel remake di Sabrina (1995) poi in Destini incrociati (1999). Pollack torna dietro la macchina da presa nel 2005 per L'interprete (2005) con Nicole Kidman, primo film girato all'interno delle Nazioni Unite.
Pollack è stato anche attore misurato e produttore lungimirante, capace di valorizzare il talento degli interpreti. Collaborò tra l'altro con Alfred Hitchcock ad alcuni episodi per il piccolo schermo della serie Alfred Hitchcock presenta: dal maestro del brivido ha copiato il gusto per i cammei personali nei propri film, che si concedeva peraltro con parsimonia.
Nell'arco della sua vita Pollack ha sempre fatto tesoro dell'esperienza. Da ragazzo, figlio di un farmacista, avrebbe voluto fare il dentista; poi ha scelto il mondo dello spettacolo, e seguito le orme del fratello Bernie, costumista, trasferendosi a New York dalla natia provincia e studiando recitazione alla Neighborhood Playhouse sotto la guida di Samford Meisner. Lui stesso ha insegnato per parecchi anni, e in quel periodo ha incontrato la donna che sarebbe diventata sua moglie, Claire Grisworld. La coppia ha avuto tre figli tra i quali Steven, il primogenito, morto tragicamente nel '93 in un incidente aereo in California.
Sin dagli inizi della sua carriera Pollack ha cercato e trovato la collaborazione con i migliori attori: nelle diverse fasi della sua evoluzione stilistica, infatti, fu sempre molto attento al lavoro degli interpreti, la cui importanza strategica per la riuscita di un'opera sapeva valutare meglio della maggior parte dei colleghi. Un orientamento mai tradito, come comprovano la collaborazione con Robert Redford, già suo attore di riferimento, insieme al quale fu co-fondatore del Sundance Institute, autentica istituzione del cinema americano svincolato dalle grandi Majors; e con la Film Foundation di Martin Scorsese, dedicata alla preservazione dei capolavori del passato.
Verso la fine della sua carriera è diventato produttore di film indipendenti: con il partner Anthony Minghella (morto lo scorso 18 marzo all'età di 54 anni), aveva creato la casa di produzione Mirage Enterprises, da cui erano usciti, oltre ai film diretti dal regista britannico come MrRipley e Cold Mountain, anche Sliding doors e il documentario Frank Gehry - Creatore di sogni, sul celebre architetto e suo amico personale, ultimo film da lui diretto.
Ironico e rilassato sul set, negli ultimi anni non ha esitato a fare la parodia di se stesso: come quando ha partecipato alla sit-com Will & Grace o quando è apparso in una puntata del serial The Sopranos, prestando il volto a un ex medico incarcerato per aver sterminato la famiglia. Ha spesso recitato in piccoli ruoli, tra gli altri in Eyes Wide Shut di Stanley Kubrick o nel recente Michael Clayton, che ha anche prodotto. La sua ultima apparizione è nella commedia, Un amore di testimone interpretato da Patrick Dempsey: ancora una volta Pollack ha puntato sul divo nascente.
Da la Repubblica, 27 maggio 2008

Sydney Pollack, scomparso ieri a Los Angeles all'età di 73 anni, è stato un regista che ha accompagnato, commentato, rispecchiato quasi mezzo secolo di storia americana. Un regista "liberal", nel senso pieno della parola, capace di riprendere i temi e gli umori degli anni della contestazione prima, del cosiddetto "riflusso" poi, senza mai dimenticare le ferree leggi dello spettacolo.
Il primo film che lo fece davvero conoscere al pubblico internazionale ( dopo i già notevoli La vita corre sul filo, Questa ragazza è di tutti e Joe Bass l'implacabile, diretti fra il '65 e il '68) fu una pellicola di guerra altamente spettacolare,

Ardenne '44, un inferno. Per chi ama il genere bellico si tratta di un film che non si dimentica: l'ultima, disperata offensiva dei mezzi corazzati tedeschi è ricreata con una "potenza di fuoco" degna di un kolossal, ma senza la magniloquenza e la retorica di tante altre opere simili. Dentro i tank all'assalto ci sono degli uomini in carne e ossa, non dei manichini.
Uomini (e donne) veri come nel successivo Non si uccidono così anche i cavalli, che arrivò in Italia nel bel mezzo delle turbolenze sessantottine. Non parve vero, ai frequentatori dei mille cineforum che allora punteggiavano città e paesini, di trovare un regista yankee in grado di delineare così duramente il sogno americano. Più che un sogno, un vero e proprio incubo ambientato negli anni della Grande Depressione, con tanti disperati alla ricerca di dollari con ogni mezzo: anche partecipando a spossanti maratone di danza, rischiando il collasso pur di incassare il premio.
Se a qualcuno era rimasto qualche dubbio,ci pensò l'opera seguente a mettere tutti d'accordo. Mentre il western stava definitivamente tramontando, Pollack nel '72 visitava il genere con il magnifico Corvo Rosso non avrai il mio scalpo: paesaggi magnifici, esaltazione della natura, rispetto per i "selvaggi" e per la loro cultura. Protagonista un attore destinato a lavorare molte volte con il regista, Robert Redford, icona del cinema liberal, interprete delle istanze dell'"altra" America, quella che contestava il potere, la Cia, la guerra. Naturale fosse ancora lui il numero uno prima nel drammatico Come eravamo e poi nei Tre giorni del Condor, incursione questa volta nel genere spionistico, con al centro una sanguinaria faida interna al potente servizio di intelligence Usa.
Ma Pollack, regista prolifico e insieme profondo e attento al pubblico, continua a dirigere film di grande successo: Yakuza, Un attimo, una vita, Il cavaliere elettrico, Diritto di cronaca, Tootsie, fino a La mia Africa, con il quale vince nell'88 ben 7 Oscar (tra cui quelli per il miglior film e la miglior regia). Ricordiamo ancora, fra le ultime opere, Il socio, The Interpreter e il bellissimo documentario Frank Gehry, creatore di sogni; senza dimenticare le ottime prove d'attore con Robert Altman, Woody Allen, fino a Eyes wide shut, amaro, disperato testamento di Stanley Kubrick.
Da Il Sole 24 Ore, 27maggio 2008

Il «miglior regista di attori» di Hollywood è morto ieri di cancro a 73 anni, nella sua casa di Los Angeles. Sydney Pollack, due Oscar nel 1985 per La mia Africa, 46 candidature, produttore, attore che veniva da off Broadway e dalla televisione, e andava spesso a trovare Fidel Castro guidando il suo jet privato, era il classico filmaker «con qualcosa da dire», come l'amico per la pelle Robert Redford (che diresse 7 volte). Ma Hollywood lo adorava. Perché i suoi melodrammi incassavano. E per la sua capacità seduttiva nei confronti delle star, di vecchia e nuova scuola da Newman a Streep a Harrison Ford, che coinvolgeva sempre e portava al rendimento massimo, in progetti redditizi, drammi e melò, commedie e thriller accurati e meticolosi nella sceneggiatura. Sempre sofferte e lavoratissime, a costo di sostituire continuamente gli scrittori, Rayfiel con Taradash, Anhalt con Milius, Schrader con Towne, James Poe con Robert Thompson. Copioni trasformati sul set in forme briose, moderne e demodé, «calde» e misurate, realiste e a lampi fantasy, non sempre unitarie nell'atmosfera, passando dallo squarcio documentaristico alla pausa allegorica (cosa che gli costò qualche incomprensione critica) anche quando affrontava argomenti spinosi e scabrosi con tonalità liberal/radical. Contenuti che, almeno fino alla fine degli anni 70, erano garanzia di profitto: irridere alla «società dello spettacolo», dalla depressione (Questa ragazza è di tutti e Non si uccidono così anche i cavalli, che è già una satira dei nostri reality show) all'epoca delle big corporation (Il cavaliere elettrico); spezzare lance a favore dei nativi (l'omaggio al western spaghetti Joe Bass l'impacabile o l'inno beat a Henry David ThoreauCorvo rosso non avrai il mio scalpo), maledire la Cia assassina (I tre giorni del Condor); indignarsi per le purghe anticomuniste (Come eravamo). E che divennero via via negli anni 80 gli orrori del giornalismo scandalistico e cinico (Assenza di malizia), la lotta contro il sessismo (Tootsie), l'auspicio, perfino, di qualche rivoluzione latino-americana che, come davanti al tavolo da gioco, è desiderio da gioco d'azzardo (Havana) o lo scodellar nostalgie per il capitalismo romantico alla Theodore Roosevelt in La mia Africa, film che capovolse, perché il consumo ormai lo imponeva, il rapporto tra conflitto politico (sullo sfondo) e passione d'amore (in primo piano), dentro un'estetica da National Geographic. Fino a The interpreter, con Sean Penn e Nicole Kidman e all'omaggio a Gehry, indicazione preziosa ai giovani cineasti: ricominciare dal documentario. «I suoi film avevano una qualità lirica, come la grande musica, e un ritmo impeccabile - ha detto Owen Roizman, direttore della fotografia di Tootsie e Havana - non era mai soddisfatto, la sua passione era contagiosa e portava tutti a scavare più a fondo». E George Clooney, che lo ebbe accanto in Michael Clayton: «Sydney ha migliorato un po' il mondo, un po' il cinema e un po' anche le cene». Già, «fare film politici non è dare un po' di speranza?», dice Redford in Havana? I nostri due film politico-poetici di successo, Il divo e Gomorra, un'allegoria grottesca e un dramma necrorealista, non la pensano così. Pollack mescola sempre (adora bastardizzare le cose) mafia e potere politico, stato e malavita, polizia e gangsterismo. Sul piano dell'espressione questo vuol dire maneggiare gli opposti, realismo e fantastico, «documentarismo» e allegoria, analisi e urlo appassionato, creando un flusso visuale a sbalzi stilistici molto originale. L'estetica «paranoica» del thriller politico Usa, fissata nei romanzi di Richard Condon (Manchurian Candidate, Winter's Kill, Prizzi's Honor, The Parallax View e appunto il suo I tre giorni del Condor) ha chiarito: «gola profonda» è nelle corporation, nella polizia, nella Cia. La nostra speranza è trovarla. Non fare come se non ci fosse problema. In Italia si isola, invece, da una parte il grottesco, il «fantastico», regno inaccessibile del Potere (e si gode un mondo per la cattiveria del burattino principe, «divinamente mostruoso»). Dall'altra, ci si bea di panni sporchi, «da non lavare assolutamente», e della Camorra, mondo a sé, aspro, brutale poeticamente conturbante, come se fosse anti stato, non una sua prediletta fenomenologia.

Da Il Manifesto, 28 maggio 2008

«Un gran signore», «un esempio di alta classe», un uomo capace «di rendere un po' migliore il mondo, il cinema e persino una cena» (nelle parole di George Clooney), un amico «privo di pretenziosità e supponenza, che condivideva con me l'amore per la famiglia, le storie, gli aerei, il cibo e una buona bottiglia di vino» (Tom Cruise). «Il nostro è rapporto di 40 anni. La sua scomparsa un fatto troppo personale per poterlo esprimere in un soundbite» (è una mail di Robert Redford al New York Times)... Hollywood piange Sydney Pollack, regista/produttore/attore ma soprattutto una presenza che, con gli anni, era diventata amatissima per quella sua capacità di incarnare il meglio dell'industria del cinema (di cui era considerate uno statista riluttante) e, allo stesso tempo, una sana, elegante, diffidenza nei suoi confronti - diffidenza che aveva formato nei Sixties e che lo seguì per tutta la sua carriera.

Pollack era l'outsider che sapeva far funzionare il meccanismo dell'inside. E l'insider perennemente affascinato e complice dell'outside. Curioso che, in qualità di attore, abbia scelto per sé ruoli di cinici memorabili come gli avvocati corrotti Marty Bach in Michael Clayton e Dick Mellen in The Player, o il Victor Ziegler del kubrickiano Eyes Wide Shut, l' agente disilluso (Tootsie) e l' executive da Studio cui ha prestato la voce in The Majestic...
A incontrarlo Pollack era tutta un'altra cosa. Aveva la gentilezza asciutta, limpida e pragmatica di un'America/Hollywood che oggi non c'è quasi più. Proiettava non tanto il ribellismo, la visionarietà e certo idealismo (più o meno disilluso con il tempo) che ha caratterizzato la pris au pouvoir della Nuova Hollywood, negli anni Settanta, quanto un'aura d'intelligenza meno stridente, un'integrità tranquilla, «realistica».
Contattato durante la lavorazione di un documentario su Bud Boetticher, si attivò subito con la Sony (tra le Major con cui lavorò di più, specie negli ultimi anni) perché fossero generosi con i diritti dei clip. Mentre preparavo un libro su John Milius, mi concesse una lunga intervista a proposito di Jeremiah Johnson («Corvo rosso non avrai il mio scalpo», tra i suoi film più belli), che Milius aveva scritto ancora giovanissimo. Tirò fuori i suoi appunti dell'epoca, spiegando i cambiamenti che aveva scelto di fare rispetto all'originale. Era evidente che per lui il testo di Milius conteneva dosi di follia romantica e selvaggia troppo alte: «John è un personaggio unico, immenso, fuori scala - uno dei pochi rimasti - che identifica un certo tipo di coraggio fisico con la virtù morale. Volevamo tenere l'accento su questo aspetto della sua sceneggiatura. Ma abbiamo cercato di temperarlo, di dargli più humor, di ammorbidirlo. Il suo Jeremiah mangiava la corteccia degli alberi. Questo è il suo stile, e si poteva fare il film anche così. Ma io non me la sentivo». Eppure, a sua volta, in Jeremiah Johnson, Pollack di follia ne aveva messa non poca: visto che la Warner Brothers voleva (implausibilmente) girarlo in teatro di posa per risparmiare, Pollack promise che avrebbe speso la stessa cifra girandolo nelle montagne dove era ambientato, lasciò che il suo cachet venisse usato come garanzia e partì con Robert Redford alla volta del Utah a bordo della station wagon di suo fratello.
«È un film fatto in famiglia. - mi diceva - Il cavallo era di Bob e mio fratello faceva da costumista... Girai da solo un intero finale, inerpicandomi nella neve con Bob e basta. È un finale che poi non ho usato, in cui Johnson muore tra i ghiacci diventando lui stesso parte della montagna». E ancora: «Johnson era uno sbandato, come molti di noi appena usciti dagli anni Sessanta. È uno che non vuole essere parte di nessuna società strutturata perché disprezza ciò che ha visto (in guerra). Era il modo in cui ci sentivamo noi in quegli anni, anche se io non me ne rendevo conto a livello conscio durante la lavorazione. A fare i collegamenti ci pensarono poi critici e giornalisti». L'amore - anche pittorico - per il décor naturale che Pollack esplorò in Jeremiah Johnson si sarebbe ritrovata anche in Out of Africa (il suo trionfo agli Oscar, mentre Tootsie - pur nominato per 10 statuette - era stato quello al botteghino) e, per certi versi, in Havana (uno dei suoi film più incompresi e malinconici), entrambi non a caso interpretati da Robert Redford - che rimane il suo attore talismano, il suo alter ego romantico e una sorta di spirito affine nella dicotomia fuori/dentro Hollywood. Ma erano i décor interiori quelli che interessavano di più questo regista desideroso di un cinema «adulto» e pacato, sobriamente politicizzato, per il quale a Hollywood c'è sempre meno posto. «Non sono mai stato un grande stilista visivo», disse qualche anno fa alla rivista American Cinematographer. Ma Pollack era un regista alla cui intelligenza, ai cui valori e a cui gusto non esitarono ad affidarsi le più grandi star - da Burt Lancaster a Natalie Wood, da Redford a (Jane) Fonda, da Pacino a Cruise, Dustin Hoffman, Streep, Streisand e Nicole Kidman.
Da Il Manifesto, 28 maggio 2008

Era un grande regista e un uomo adorabile, due cose che non sempre vanno di pari passo. Quando non dirigeva, recitava. Quando non recitava, produceva i film degli altri. Quando si era perfezionato in un genere passava a un altro, dal melodramma al western, dal film di guerra alla commedia, dalla spy story al cinema di denuncia, portando in ogni genere qualcosa di nuovo. Come hanno sempre fatto i migliori talenti della vecchia e della nuova Hollywood, ma con una duttilità, una semplicità, una disponibilità artistica e umana, che ne fecero il prototipo del grande cineasta americano. Con venti film al suo attivo, Sydney Pollack fu infatti tutto fuorché un "Autore" all'europea. Non un artista chiuso nel suo mondo, dunque, ma un professionista aperto alle suggestioni più disparate. Capace, forse più di chiunque altro nella sua generazione, di conciliare originalità artistica e richiamo spettacolare. Restando fedele non tanto a uno stile quanto a una "famiglia" di ossessioni e soprattutto di attori, in testa l'amico di gioventù Robert Redford, cui avrebbe offerto ruoli memorabili.

Attore lui stesso ancor prima che regista, Pollack si era fatto le ossa lavorando per il piccolo schermo a cavallo tra gli anni 50 e 60, l'età dell'oro della tv americana. Il suo invidiabile eclettismo nasce sul set di serie leggendarie come Ai confini della realtà, il Dr. Kildare, Alfred Hitchcock presenta, The Defenders. Sono anche gli anni in cui dirige attori del calibro di Walter Matthau a Peter Lorre, da James Mason a Gene Hackman, da Henry Fonda a Robert Duvall, Jason Robards e moltissimi altri.
Ma a spingerlo definitivamente verso il cinema sarebbe stata un'occasione insolita: Burt Lancaster lo vuole accanto come coach sul set del Gattopardo. «Capivo a malapena quanto succedeva, ero frastornato da tutta quella bellezza, ma forse proprio su quel set ho realizzato che avrei preferito dirigere», raccontò molti anni dopo Pollack. Anche se proprio nella capacità di ottenere il meglio dagli attori, lavorando di bulino sulle loro interpretazioni, sta forse la chiave dei suoi film migliori. Impressionante la lista dei successi di Pollack. Come eravamo e La mia Africa figurano nella lista dei primi 100 film più amati dagli americani. Il Dustin Hoffman al femminile di Tootsie viene addirittura al secondo posto fra le commedie, subito dopo l'inarrivabile A qualcuno piace caldo di Billy Wilder. Ma tutti i suoi film degli anni 60 e 70 lasciano un segno forte in quella "fabbrica" di emozioni, personaggi e tecniche di racconto che fu battezzata New Hollywood, con una curiosa e forse significativa predilezione per i film in costume.
Questa ragazza è di tutti, costruito come un lungo flashback, da un atto unico di Tennessee Williams, mette già il tempo e i suoi effetti al centro del tragico amore di Robert Redford e Natalie Wood ai tempi della Grande Depressione. Non si uccidono così anche i cavalli scia di quegli anni con la lunga maratona di danza di Jane Fonda raccontata in ordine spietatamente cronologico e in un ambiente pressoché unico, ma punteggiata da brevi flashforward che anticipano l'ineluttabile sconfitta. Mentre Ardenne 44: un inferno, con Burt Lancaster, porta toni onirici e stridenti nel cinema di guerra prima di Mash e di Mattatoio 5. E Joe Bass l'implacabile, di nuovo con Lancaster, tinge di commedia l'epopea dei pionieri anticipando la radicale riscrittura western del magnifico Corvo rosso non avrai il mio scalpo, con Robert Redford, uno dei film più significativi (e fecondi) del decennio.Per non parlare dello struggente Come eravamo, perfetta combinazione di nostalgia, politica e love story. O dei meccanismo a orologeria che governa il magistrale Yakuza, uno dei pochi capolavori del Mitchum maturo, ma anche I tre giorni del Condor, thriller politico che intercetta con raro tempismo la crisi morale del dopo-Watergate.
Il resto, a eccezione dello smagliante Tootsie, non ha lo stesso peso. Anche La mia Africa, con i suoi 6 Oscar, appartiene alla storia di Hollywood più che a quella del cinema. Né Havana, così fastoso e manierato, né l'anacronistico remake Sabrina (peraltro godibilissimo, a condizione di stare al gioco), né Il socio e tanto meno The Interpreter ritrovano l'equilibrio e la forza metaforica del Pollack migliore.
Copiato e "recuperato" da quella stessa industria che aveva svecchiato nei decenni precedenti, l'ultimo Pollack è soprattutto un eccellente attore, spesso usato in ruoli di amabili spietati da registi come Woody Allen (Mariti e mogli) o Stanley Kubrick (che ne fa l'indimenticabile e cinico padrone di casa di Eyes Wide Shut in sostituzione di Harvey Keitel). Fino all'ultima giravolta da regista, appena un anno fa, con il film dedicato al grande architetto Frank Gehry, che si scelse di persona il regista. «Non so niente di architettura e non avevo mai fatto un documentario prima. Insomma ero terrorizzato». Ne uscì una piccola gemma, piena di idee e di immagini sorprendenti. Un magnifico addio.
Da Il Messaggero, 28 maggio 2008

Curiosamente la prima immagine a ritornare in mente è quella del lascivo magnate che in «Eyes Wide Shut» chiama, nel corso della sontuosa festa natalizia, il medico Tom Cruise affinché salvi la vita alla ragazza andata in overdose mentre era in sua compagnia. In effetti Sydney Pollack, morto domenica a 73 anni nella sua casa di Los Angeles per gli esiti di un tumore allo stomaco, è stato uno dei registi di punta della Nuova Hollywood «esplosa» alla fine degli anni Sessanta e uno di quelli più eterogenei e convenzionali a partire dagli Ottanta; ma questo non vuol dire che le sue presenze da attore siano state occasionali o trascurabili. Il fatto è che la sua granitica personalità è in grado d'ergersi sempre e comunque sulla media nel corso di circa quarant'anni cruciali per la trasformazione del cinema americano da classico a postmoderno. E proprio le disarmonie che caratterizzano la sua filmografia - via via attirata dal romanticismo nostalgico e dalla polemica sociale, dal thrilling politico e dalla commedia di costume - finiscono per certificarne l'importanza e in qualche modo l'esemplarità. Nato nel luglio del 1934 a Lafayette, Indiana, da una famiglia ebrea di ceppo russo, Pollack si trasferisce nel '52 a New York, dove studia alla Neighborhood Playhouse School di Sanford Meisner, del quale diventa assistente dopo la parentesi del servizio militare. Rivestendo volentieri anche ruoli d'attore, viene notato da John Frankenheimer, che prima lo dirige più volte in teatro, poi lo chiama a Hollywood per affidargli la regia di alcuni episodi di serie televisive di successo - da «The Defenders» a «Dr. Kildare» - e infine lo assume come assistente ai dialoghi del suo secondo film «Il giardino della violenza» (1961). Con «La vita corre sul filo», quattro anni più tardi, esordisce dietro la macchina da presa senza eccessivo entusiasmo, riuscendo però ad abbozzare le direttrici sulle quali si baserà la carriera: il trasporto liberal, la tendenza alla suspense sentimentale e l'accuratezza dello scavo psicologico ottenuta grazie alla direzione degli interpreti. Quest'ultimo dato discende ovviamente dall'apprendistato vissuto in gran parte sui palcoscenici, che lo pone culturalmente e pragmaticamente su un prezioso piano di parità con gli attori: come confermano la confidenza e la complicità sperimentate nel corso degli anni con star del calibro di Burt Lancaster, Robert Redford, Jane Fonda e Dustin Hoffman. Il suo primo periodo, solido quanto eclettico («Questa ragazza è di tutti», «Joe Bass l'implacabile», «Ardenne '44, un inferno»), sfocia così in un gruppo di titoli che, tra il '69 e il '75, esaltano il senso del suo innato umanesimo, teso a investigare senza remore - ma anche senza dimenticare il piacere e il dovere dello spettacolo - i concetti di cultura, nazione, società con tutto ciò che essi comportano nel rapporto con la politica, la sessualità o le istituzioni. In «Non si uccidono così anche i cavalli?» (sei nomination e un Oscar) prevale l'amarissima metafora dell'America della Depressione; in «Corvo rosso non avrai il mio scalpo», il suo capolavoro assoluto, pellerossa e trappers si danno aspra battaglia pur rispettando le arcane regole di un'impietosa natura; in «Come eravamo» lo struggimento degli amori perduti si fonde meravigliosamente con l'impeto giovanile della ribellione; in «Yakuza» sotto la cruda patina dell'azione pulsano gli stessi e struggenti temi della fatale labilità dei sentimenti; mentre in «I tre giorni del condor» la denuncia delle storture della Cia è sostenuta da una scrittura registica di hitchcokiani vigore e rigore. Ormai stimato e celebrato, Pollack può svincolarsi dai ricatti degli studios e cominciare a produrre in proprio numerosi titoli, tra cui spiccheranno «Le mille luci di New York», «I favolosi Baker», «Presunto innocente», «Sliding Doors», «Ritorno a Cold Mountain» e il recentissimo «Michael Clayton». Nello stesso tempo le sue potenzialità commerciali vengono centuplicate dal clamoroso successo della commediola en travesti «Tootsie» e dal trionfo (anche agli Oscar, con sette statuette su undici nomination) del kolossal romantico-turistico «La mia Africa». Da questo momento in poi il suo dominio dei ritmi narrativi e recitativi tende a bastare a se stesso e non ha più interesse a mettersi alla prova nelle visioni stravolte o nei risvolti ambigui dei copioni prescelti («Havana», «Il socio», «The Interpreter»). È sempre un maestro, cioé, nell'identificare un personaggio nel contesto dell'inquadratura o nel trattare con eguale dinamismo prospettico un dialogo d'amore o un confronto d'idee (come ribadisce il documentario «Frank Gehry - Creatore di sogni», che è l'ultimo prezioso regalo fatto agli spettatori); ma la ragion d'essere delle sue storie non appare più autentica, necessaria e urgente come ai vecchi tempi.

Da Il Mattino, 28 maggio 2008

Attore, regista, produttore. Con Sydney Pollack, morto lunedì sera nella sua casa a Los Angeles per un tumore diagnosticatogli nove mesi fa, se ne va una delle facce più espressive e uno dei nomi più presenti del miglior cinema americano degli anni settanta-ottanta. Nella sua filmografia ognuno può trovare pane per i suoi denti: dal romanticissimo e indimenticabile Come eravamo , al crudo Non si uccidono così anche i cavalli (nomination) , all'epico La mia Africa (7 Oscar, tra cui film e regia), all'irriverente e irresistibile Tootsie (nomination) alla sorprendente, per i tempi, revisione western Corvo rosso non avrai il mio scalpo . Generi diversi per film tutti a loro modo memorabili. Quella faccia poco americana Sidney Pollack l'aveva presa dalla famiglia del padre, ebreo russo immigrato ad inizio secolo. Un destino comune a molti della sua generazione, ma abbastanza duro da dargli la determinazione necessaria a scegliere una carriera, quella artistica, da giovanissimo e perseguirla fino alla fine. Sale sul palco prima dell'università, diventa presto attore e assistente alla regia, conosce John Frankenheimer che lo introduce nei primi studi televisivi. E' lì che Pollack inizia a farsi le ossa, regista di serie tv e telefilm western. Nel 1965, la Paramount gli affida la sua prima regia cinematografica La vita corre sul filo .

Inizia così l'anomalia Pollack, da subito ufficialmente inserito nel circuito di serie A del cinema hollywoodiano, quello dei grandi studios (dopo la Paramount, la United Artist, quindi Warner, Columbia, Universal), ma allo stesso tempo fedele ad alcuni princìpi democratici che lo vedranno firmare pellicole tutte politicamente orientate: quando western, ecco i suoi indiani diventare portatori sani di diritti, quando drammatici ecco trapelare la sua amarezza per un'America moralmente ed eticamente in decadimento. Temi che però Pollack non grida mai, non è un denunciatore. E' un umanista, un gentiluomo, un cineasta artigiano, uno che crede che il mezzo qualifichi il fine e che se un uomo e una donna sono soli dentro una stanza, davanti alla camera da presa, tra loro nascerà necessariamente un'attrazione. Da qui quella costante di "romance" un po' vecchio stile disseminata ovunque nella sua ricca filmografia.
A renderlo un punto di riferimento per molti della sua generazione, non solo quindi il suo essere un sincero democratico, quanto la capacità di "fare cinema" nel senso più puro del termine, comprensivo della capacità di circondarsi e far crescere attorno a sé altri talenti. Se il suo secondo film ( Questa ragazza è di tutti ) è sceneggiato da Francis Ford Coppola, uno dei successivi, Yakuza (1975) porta la firma di due dei più interessanti giovani della New Hollywood: Robert Towne e Paul Shrader, poi scrittori per Scorsese. Film curioso quanto sottovalutato, dove alla metafora politica si sostituisce il fascino della lotta orientale come filosofia alternativa all'occidente. Ma da buon attore e generoso direttore, la vera arte di Pollack consiste nel dirigere gli attori. Anche qui, il regista dell'Indiana tende a formare un gruppo e a coltivarselo. Per lungo tempo, la faccia dei suoi personaggi è quella di Robert Redford, con il quale gira sette film ( Questa ragazza è di tutti , Corvo rosso , Come eravamo , I tre giorni del Condor , Il cavaliere elettrico , La mia Africa , Havana ) e stringe un'amicizia lunga una vita che lo porta ad essere fino all'ultimo nel direttivo del Sundance festival.
Dopo l'Oscar per il mediocre La mia Africa e il successo commerciale de Il socio , la verve registica di Pollack va calando, messa alla prova nel '95 dal flop del remake di Sabrina . Segue un film da dimenticare come Destini incrociati e un'ultima regia che non resterà nella storia The Interpreter . Ma il suo genio è eclettico e ciò che perde nella regia Pollack lo conquista nella produzione. Dove osa quello che ormai lascia andare nella direzione, diventando, all'interno degli Studios, una sorta di trait-d'union con i talenti meno convenzionali di Hollywood. Passerà alla storia della tv la sua serie Fallen Angels , così come la produzione di film quali L'altro delitto di Branagh, Ragione e sentimento di Ang Lee, Presunto innocente di A. Pakula, Sliding doors dell'esordiente Peter Howitt e il primo film americano della documentarista inglese Angela Pope Captives , visto nelle notti veneziane qualche anno fa.
Per finire, ci piace ricordarlo nella sua veste di attore, dove usava il suo corpo come strumento semplice ed efficace per personaggi a cui sapeva aderire apparentemente senza alcuno sforzo. Come Jack, marito in crisi per Allen in Mariti e mogli o il milionario Ziegler in Eyes Wide Shut . Tra le ultime immagini ci rimane quella dell'ambiguo Marty Bach, avvocato di cause sporche e capo di Clooney- Michael Clayton . Proprio con le parole di George Clooney, che insieme al recentemente scomparso Anthony Minghella, è stato tra i collaboratori più stretti di Pollack degli ultimi tempi, chiudiamo questo ritratto: «Sidney ha reso il mondo un po' migliore, così come il cinema, così come tante mie cene. Tanto di cappello a un artista di classe che ci mancherà terribilmente».
Da Liberazione, 28 maggio 2008

Pollack ha diretto venti film, che hanno ricevuto un totale di 46 candidature agli Oscar. Lui stesso è stato nominato per tre volte, vincendo il premio per la miglior regia grazie a La mia Africa (Out of Africa), pellicola che si è aggiudicata sette Oscar, tra cui quello per il miglior film. Pollack nel 1982 ha ricevuto il New York Film Critics Award per Tootsie. Inoltre, ha vinto per due volte il Golden Globe come miglior regista e il National Society of Film Critics Award, il premio di miglior regista dell’anno della NATO, e diversi riconoscimenti ai Festival di Bruxelles, Belgrado, San Sebastian, Mosca e Taormina. Recentemente, ha ottenuto il John Huston Award da parte dell’Artists Rights’ Foundation della Directors Guild of America.

Tra i suoi lavori come interprete, figurano Mariti e mogli (Husbands and Wives) di Woody Allen, I protagonisti (The Player) di Robert Altman, La morte ti fa bella (Death Becomes Her) di Robert Zemeckis, A Civil Action di Steven Zaillian, Eyes Wide Shut di Stanley Kubrick, Ipotesi di reato (Changing Lanes) di Roger Michell e Michael Clayton di Tony Gilroy, di cui è stato anche produttore esecutivo.
Nel 1985, ha creato la Mirage Productions. Sotto questa etichetta, ha prodotto diversi film, tra cui Presunto innocente (Presumed Innocent), I favolosi Baker (The Fabulous Baker Boys), Calda emozione (White Palace), Major League - la squadra più scassata della lega (Major League), L’altro delitto (Dead Again), In cerca di Bobby Fischer (Searching for Bobby Fisher), Ragione e sentimento (Sense and Sensibility) e Il talento di Mr. Ripley (The Talented Mr. Ripley). Nel 2000, il compianto Anthony Minghella è diventato socio della Mirage Enterprises e sotto questa sigla, i due sono stati produttori di Iris, The Quiet American, Ritorno a Cold Mountain (Cold Mountain), Complicità e sospetti (Breaking and Entering) e Michael Clayton.
Pollack è un membro fondatore del Sundance Institute, Responsabile Emerito della American Cinematheque, un fondatore e sostenitore dell’Artists’ Rights Board della Director’s Guild e un membro del Consiglio dei registi del Film Preservation Board e della Motion Picture and Television Fund Foundation.
Pollack è morto il 26 maggio del 2008 dopo una lunga battaglia col cancro. Aveva 73 anni.