Boris

Poetica, ritmica, più divertente di prima, e perciò paradossalmente commovente, la quarta stagione rende di nuovo visibile l'invisibile

Recensione di Gabriele Prosperi
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Ridurre a una semplice sinossi della trama, come siamo soliti per ragioni editoriali, l'introduzione di questa recensione sarebbe offensivo. Dopo 11 anni dal capitolo cinematografico che chiudeva le vicende della troupe di René Ferretti (Pannofino), ritroviamo sul set Arianna (Caterina Guzzanti) e Alessandro (Tiberi), Lopez (Catania) e Sergio (Di Stasio), Stanis (Sermonti) e Corinna (Crescentini), i tre sceneggiatori (Aprea, De Lorenzo, Sartoretti), Biascica (Calabresi), Duccio (Bruschetta), lo schiavo (De Ruggeri). Ritroviamo persino Itala (Fiorentini - scomparsa nel 2019 e omaggiata nel primo episodio). Tutti riappaiono, pieni, a occuparsi del nostro presente e di conseguenza sono alle prese con le piattaforme streaming: omogeneamente, come se quegli 11 anni non fossero passati, seppure lo siano - come testimonia il nuovo ruolo di Alessandro come responsabile di piattaforma.

Nella sua quarta stagione Boris torna forte come alla prima; non rinnovata, non un semplice revival, più che originale: ancora sé stessa, pienamente capace di raccontare dove siamo, cosa e come raccontiamo... o ci raccontiamo.

È la rivoluzione seriale, che scosse l'Italia nel 2007 grazie al lavoro di Giacomo Ciarrapico, Mattia Torre e Luca Vendruscolo, che torna a vivere, riportando sullo schermo, oggi giustamente di Disney+, un racconto che non è solo metanarrativo ma iperbolico e superando anche le nostre aspettative. Boris 4 è poetica, è ritmica, è più divertente di prima, e perciò paradossalmente commovente. La crasi tra ironia e poesia viene raggiunta più che nel passato, forte di un bagaglio emozionale costruito in oltre una decade di meme, frasi cult che si sono introdotte nel nostro vocabolario sociale e... "Dai! Dai! Dai!" che smarmelliamo pure la piattaforma!

Non rinnovata ma ancora attuale: Boris 4 applica lo stesso cortocircuito azionato nel 2007 su Fox, spostando il suo focus dalle dinamiche broadcast a quelle dell'algoritmo. Cambiano i referenti: non più l'invisibile Dottor Cane, il direttore "megagalattico" di rete, bensì le logiche di un mercato internazionale, fatto di parole anglosassoni (pitch, lock, call) usate come fruste su un sistema, quello italiano, che alla fine non può essere piegato perché inevitabilmente (se tristemente o orgogliosamente lo dovete decidere voi) è identitario e perciò imperturbabile.

Ciarrapico e Vendruscolo non a caso scelgono di far raccontare la Vita di Gesù da quello stesso cast di attori troppo italiani e di attrici cagne e maledettamente coscienti perché, per fare una buona espressione drammatica sul set, si impegnano ormai da anni a fare calcoli matematici a mente (ovviamente su consiglio di René). Viene davvero voglia di citare tutti i personaggi che vengono riportati sul set, dal regista Glauco (Tirabassi) a Karin Proia (ovviamente nei panni di una volgare Maria Maddalena!), da Cristina (Costantini) all'aiuto regista Alfredo (Amorosino): ognuno porta con sé un portato ironico ed emotivo impareggiabile. Per non parlare di Corrado Guzzanti, che torna nei panni dell'attore pazzo (Mariano) e facendolo inserisce nella già molte linee metanarrative una sua, addirittura personale, narrazione familiare: spesso in dialogo con la sorella e raccontando un legame (reale o irreale?) con il padre.

Ma attenzione perché il lavoro dei due sceneggiatori non si ferma a una semplice riproposizione dei canoni espressivi della "fuori serie" italiana, bensì li esaltano per raccontare ciò che rimane invisibile tanto dal lato produttivo (principale focus narrativo delle prime stagioni) quanto, oggi, da quello fruitivo, consci dell'importanza degli spettatori nelle logiche di produzione. La stessa regia, ancora firmata dai due sceneggiatori, racconta l'invisibile, omaggiando dall'inizio alla fine il compianto Mattia Torre, che riprende vita grazie alle scelte registiche dei due, in particolare "accedendo" al fuoricampo, e all'interpretazione di uno dei tre sceneggiatori dall'F4 facile (Valerio Aprea).

L'invisibile si fa visibile. La sit-com è forse il genere televisivo più capace di portare alla luce la nostra quotidianità, riprendendo le parole di Luca Barra, «di costruire un rapporto (su cui spesso si basa la risata) con il mondo che abitiamo, la cultura, la politica, la società in cui siamo immersi»; Boris riusciva e riesce nuovamente a farlo, portando in scena anche ciò che c'è di più scomodo. Da sottolineare, in questa quarta stagione, la questione dell'inclusività, imposta dalla piattaforma più per un'esigenza algoritmica che per una necessità sociale - e chi più di Biascica poteva scardinarne l'ipocrisia? O ancora l'associazionismo degli attori e delle attrici che, spinto e riattivatosi durante la pandemia, viene per la prima volta raccontato su uno schermo con l'associazione "Non toccate Martufello" (il nome è tutto un programma!) - ovviamente raccontandone l'inefficacia dovuta a quelle stesse logiche dell'industria dello spettacolo che, da sempre, impediscono a questi lavoratori e lavoratrici di coordinarsi.

Ma non basta. Come dicevamo, Boris 4 è una sit-com poetica, anzi elegiaca, e tocca vertici di pathos (a livello sia narrativo che, soprattutto, metanarrativo) che anche l'assenza del tormentone (citato solo una volta) dello sguardo basito sembrerebbe voluto dai due sceneggiatori. Da spettatore, Boris 4 diventa Boris F4 - lo sguardo basito ce l'abbiamo noi - e, nel suo finale (forse non di serie...) porta compiutamente in scena quanto era esploso in un semplice, brevissimo, momento della sesta puntata della sua prima stagione, con alcuni versi della Poesia dei doni di Borges. Ancora una volta la voce narrante è di René Ferretti ma, anziché parlare come nel fantomatico cortometraggio artistico "La formica rossa", qui il nostro protagonista agisce quella necessità di esprimersi, di raccontare quel «labirinto degli effetti e delle cause [...] per il coraggio e la felicità degli altri».