Squid Game

Tra la ripresa degli elementi iconici e l'introduzione di nuove sfumature narrative, una stagione più introspettiva

Recensione di Gabriele Prosperi
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La seconda stagione di Squid Game riprende tre anni dopo gli eventi della prima, seguendo Seong Gi-hun (456) alla ricerca di vendetta contro gli organizzatori dei giochi mortali. Determinato a smascherare il sistema corrotto dietro il torneo, Gi-hun intraprende una caccia che lo porta ad affrontare nuovi giochi brutali, incontrare personaggi inediti e confrontarsi con il Front Man dalla maschera nera, Hwang Jun-ho.

La prima stagione di Squid Game aveva stabilito un precedente importante nella narrazione seriale, trasformando un gioco al massacro - elemento caratteristico in molte produzioni televisive asiatiche, si pensi ad alcuni game show come "Takeshi's Castle" - in un riflesso iperrealistico delle disuguaglianze sociali.

I 456 partecipanti, da personaggi venivano promossi ad archetipi di una società in cui il fallimento economico si traduce in una condanna sociale senza appello. Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), Kang Sae-byeok (HoYeon Jung) e Cho Sang-woo (Park Hae-soo) rappresentavano differenti sfaccettature di questa disperazione: il giocatore d'azzardo, la rifugiata in cerca di salvezza, l'uomo d'affari caduto in disgrazia. Questa stratificazione umana permetteva al pubblico di riflettersi nei protagonisti e di comprendere la brutalità delle scelte morali che il gioco richiedeva.

Rispetto alla prima, la seconda stagione di Squid Game cerca di mantenere questo focus sociale, ma sposta l'attenzione su un livello più personale e interiore. Infatti, se nella prima stagione i giochi erano il fulcro principale dell'immedesimazione e della tensione, ora il processo di connessione emotiva è anticipato, chiedendoci di investire sui personaggi prima ancora che entrino nell'arena, appesantendo l'impostazione narrativa dei primi episodi.

Differente è anche la "plausibilità" degli orrori che vengono mostrati: se prima la brutalità dei giochi era un riflesso diretto delle disuguaglianze sistemiche, ora, pur continuando su questa strada, la dimensione di denuncia si perde a favore di una maggiore introspezione individuale e di un desiderio di rivalsa, maggiormente connotato dal punto di vista politico. Ciò emerge nel ricollocamento del background nordcoreano: se nella prima stagione apparteneva a una rifugiata in cerca di salvezza, ora è attribuito a una disertora (interpretata da Jung Ho-yeon), politicizzando ulteriormente la narrazione.

Ciò si riflette anche dal punto di vista visivo, trasformando una delle serie più riconoscibili per via dell'immaginario su cui faceva leva (colori accesi, ambientazioni surreali e simboliche) in una narrazione visiva più contenuta. L'attenzione si sposta dalle strutture architettoniche e dagli scenari opprimenti ai dettagli relazionali tra i personaggi e all'efficace costruzione di una e più distinzioni tra dentro e fuori, di volta in volta ridefinendo i gruppi di appartenenza. Ne risente, però, il ritmo narrativo - vera, grande differenza tra le due stagioni: laddove la prima avanzava con una tensione costante, con ogni gioco a rappresentare un nodo cruciale nella trama, in Squid Game 2, invece, i momenti di attesa e riflessione sono più dilatati, dando maggiore spazio all'evoluzione emotiva dei protagonisti.

Cambia il focus narrativo, che riposiziona la serie - paradossalmente, data l'attenzione internazionale - a livello locale, esplorando uno dei temi più cari, e tradizionali potremmo dire, delle produzioni sudcoreane (da Kim Ki-duk a Park Chan-wook e Bong Joon-ho), ovvero il momento in cui la disperazione si trasforma in ossessione, in desiderio di giustizia e, quindi, in vendetta. Un cambiamento che negozia bene il respiro internazionale di una serie fortemente locale, smorzando l'impatto emotivo che l'aveva resa un fenomeno globale.

Notiamo molte interferenze nel corso dei tre anni di rimaneggiamento del prodotto da parte di Hwang Dong-hyuk (sceneggiatore, regista, showrunner di Squid Game), da cui è emersa la decisione di dividere quella che originariamente doveva essere una singola stagione in due parti distinte. Questa scelta, chiaramente influenzata dal desiderio di sfruttare il successo inaspettato della serie, ha portato a una riduzione del numero di episodi e a un cliffhanger finale che lascia la narrazione in un limbo fin troppo accentuato.

Troviamo perciò una serie più diluita, visivamente meno audace rispetto alla precedente, ma a favore di un simbolismo concettuale; la stessa arena di gioco viene reintrodotta con una lentezza studiata, permettendo allo spettatore di comprendere meglio le motivazioni del protagonista e i nuovi intrecci narrativi. Esploriamo maggiormente il personaggio di Hwang In-ho, aka Front Man, nella superlativa interpretazione di Lee Byung-hun, strumento essenziale per definire il rinato animo ribelle del protagonista Seong Gi-hun (Lee Jung-jae). Una relazione che beneficia molto del confronto iniziale con un altro personaggio iconico della serie, il reclutatore (Gong Yoo). Si aggiungono nuove sfumature, con l'introduzione di un una donna transgender, Cho Hyun-ju - sebbene interpretata da un attore cisgender, Hyun-ju, a causa dell'ancora forte marginalizzazione della comunità LGBTQIA+ in Corea del Sud - la cui introduzione dimostra, però, la volontà di favorire processi di inclusione del tema. Interessante, inoltre, nella prospettiva di costruire un racconto più intimo e di relazione, l'introduzione nel cast di un noto rapper sudcoreano, T.O.P., nei panni di un rapper in rovina, Thanos.

I nuovi personaggi e le nuove relazioni vanno tutti incontro all'esigenza di definire gruppi e così schierare maggiormente tanto i giocatori, quanto il pubblico, in un racconto di vendetta; a favorire maggiormente questa traslazione sono gli sguardi oltre l'arena stessa: aumentano i momenti al di fuori dei giochi, guidati prevalentemente dal poliziotto Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon). Una scelta che finisce per appesantire il ritmo generale della storia, dando l'impressione che alcune sequenze siano dilatate oltre il necessario, che le funzioni di alcuni personaggi siano "spiegate", rendendoli caricaturali, in entrambi i casi con lo scopo di agganciare il pubblico alla terza stagione.

Squid Game 2 presenta, quindi, molti più limiti rispetto a tre anni fa ma riesce a mantenere un equilibrio accettabile tra ripresa degli elementi iconici e introduzione di nuove sfumature narrative. Resta però evidente come la serie abbia bisogno di ritrovare una chiarezza d'intenti più forte, soprattutto per evitare che il cliffhanger finale si trasformi in un rischio più che in una promessa.

Estremizzare fino al plausibile: il gioco al massacro iperreale di Squid Game

Recensione di Gabriele Prosperi
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456 persone, uomini e donne, di età differenti e diverso background, sono chiamati a partecipare da un'organizzazione anonima a un gioco al massacro. Il premio in palio è una quantità di denaro così elevata da poter risolvere quale che sia il loro problema economico, certamente impellente per ognuno di loro. I contendenti, infatti, non sono persone comuni ma gli ultimi della società. Vuoi per la dipendenza da gioco come nel caso di Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), per un passato difficoltoso e una famiglia da salvare come nel caso di Kang Sae-byeok (Jung Ho-yeon), o per le scelte imprenditoriali sbagliate di Cho Sang-woo (Park Hae-soo), ogni giocatore dovrà scegliere tra ciò che l'aspetta là fuori, nel mondo reale, e le regole del gioco. Le conseguenze dei loro debiti insaldabili appaiono, infatti, più spaventose di quanto sia la posta nel gioco perverso loro proposto: la loro stessa vita.

Squid Game è l'ultima grande impresa di Netflix nel trasformare una serie televisiva in lingua non inglese in una hit globale, ribaltando quelle che sono logiche distributive assodate in un'era che appare sempre più lontana. Da La casa di carta ad Alice in Borderland, da Vis a vis a Dark, le strategie di marketing della compagnia di Reed Hastings stanno realmente cambiando le carte in tavola, spingendo persino il suo principale competitor, Jeff Bezos ad applaudire questa operazione.

La grande impresa distributiva non riguarda però solamente aspetti di ordine economico e di marketing; con essa abbiamo infatti l'opportunità di conoscere elementi socioculturali appartenenti a continenti e nazioni a noi lontane, a cui altrimenti non potremmo accedere o incorreremmo in limiti oggettivi di comprensione.

La storia di Squid Game permette innanzitutto un accesso facilitato, grazie al posizionamento geopolitico della Corea del Sud: nazione a prevalenza cattolica, in cui il capitalismo trova un terreno fertile al pari dei paesi occidentali e in cui, quindi, le problematiche relative al divario sociale ed economico sono similari a quelle da noi vissute. Questo è il fulcro narrativo della serie, d'altronde, attorno al quale troviamo sia elementi caratteristici della cinematografia sudcoreana, sia riferimenti a narrazioni occidentali contemporanee. Il pensiero va ad alcune saghe horror del nuovo millennio, dalla competizione che metaforizza i contrasti contemporanei in Hunger Games - sebbene qui mantenendo i piedi per terra in un contesto più realistico - alla medesima crudezza delle esecuzioni di Saw e soprattutto ai capitoli diretti da Eli Roth di Hostel.

In particolar modo nelle saghe occidentali su citate, la verosimiglianza tende ad essere costantemente messa in crisi, vuoi per l'appartenenza a un genere come il post-apocalittico, vuoi per esigenze narrative, come nel cinema horror, che costringono lo spettatore in uno spazio di visione ben delineato, allo scopo di determinare sensazioni ed emozioni (paura, orrore, ansia, disgusto). La serie Netflix, invece, mira maggiormente a un raffronto con la nostra realtà, a una sua lettura, mimando quelle che sono le caratteristiche tipiche del genere distopico (pur non appartenendovi) e garantendo una maggiore plausibilità. La serialità, di per sé e per via dei suoi tempi di visione, risponde a un principio di realtà più stringente di quanto faccia il cinema di genere, seppur serializzato come saga, e in questo abbraccia una caratteristica tipica del cinema sudcoreano (rintracciabile, ad esempio, nella trilogia della vendetta di Park Chan-wook): la ricerca di sfumature morali, l'allontanamento da un manicheismo dogmatico, che solo negli ultimi decenni viene sfrondato anche nell'estremo occidente.

L'orrore di Squid Game non deriva tanto dalla visione di scene macabre e da massacri crudeli e gratuiti, sebbene il gioco abbia origine dalla noia di pochi e dalla archetipica distinzione tra chi può e chi non può permettersi una posizione di comando. La sensazione di orrore deriva dalla plausibile, realistica condizione dei protagonisti: la disperazione di Gi-hun, che lo porta non solo a partecipare ma anche a tornare a giocare conoscendo ormai le regole del massacro, è una condizione reale e non lontana; il dramma di Sae-byeok è quello di chi ha vissuto sulla propria pelle i contrasti tra due nazioni in conflitto, cioè le due parti della Corea. Gli esiti di questa condizione non sono quelli immaginifici e ipotetici di un racconto distopico, si avvicinano di più a una lettura estremizzata del presente, che in particolare sfrutta alcuni fondamenti delle teorie complottiste per individuare un principio di verità. Ovvero che la battaglia che si sta combattendo, il gioco a cui stiamo giocando, non prevede sconfitti e vincitori, ma la sola scelta delle regole che si intende seguire.