Amarga Navidad

Trovo che i personaggi di questo film non riescano ad essere empatici: nessuno  simpatico né antipatico, asettici, poco fisici persino freddi, distaccati dalla pellicola. Il film non decolla, non ha aria, non emoziona... Sembra una storia che Pedro deve risolvere con se stesso e per farlo adopera identità multiple, fiacche a tratti insensibili, compromesse dalla vita e svuotate dalla storia personale. Persino il finale è smorto, arzigogolato. Musiche belle ma fuori contesto, buono il doppiaggio. Almodovar lascia tutto ai colori, ritorna alle auto rosse, al blu mare e ad un verde smeraldo che insieme, fanno di tutto per dare linea ad una commedia che di fatto, con questi espedienti, diviene un dramma.

Ha capito che non doveva scrivere di lui, del suo amaro in bocca per la visione di lei,

perciò si rese conto che doveva essere lei a scrivere di lui, attraverso le sue dita.

Amarga Navidad narra del sottile confine che l’artista vive tra realtà e finzione, di come seppur in una prima stesura di una storia egli trova piacere nel ritrovarsi, arriva un momento dove la realtà non basta e rischia di diventare arida e acida se narra le storie degli altri viste dai propri occhi. [+]

 La struttura metacinematografica del film nel film dell'ultimo lavoro di Almodóvar provoca una frammentazione narrativa che rende il passaggio tra realtà e finzione ridondante e rischia di disperdere l'impatto emotivo delle singole storie. Raoul, regista di successo in piena crisi creativa, sta scrivendo una sceneggiatura dopo cinque anni in cui non è riuscito a girare niente e decide di ambientare la sua storia vent’anni prima, con protagonista una donna di nome Elsa, regista di culto che ha fatto due film che non ha visto quasi nessuno ma quei pochi che li hanno visti sono diventati appunto dei cultori. Elsa adesso per campare fa spot pubblicitari e vive con Beau, un giovane pompiere che di notte fa lo stripper in un locale. [+]

 La struttura metacinematografica del film nel film dell'ultimo lavoro di Almodóvar provoca una frammentazione narrativa che rende il passaggio tra realtà e finzione ridondante e rischia di disperdere l'impatto emotivo delle singole storie. Raoul, regista di successo in piena crisi creativa, sta scrivendo una sceneggiatura dopo cinque anni in cui non è riuscito a girare niente e decide di ambientare la sua storia vent’anni prima, con protagonista una donna di nome Elsa, regista di culto che ha fatto due film che non ha visto quasi nessuno ma quei pochi che li hanno visti sono diventati appunto dei cultori. Elsa adesso per campare fa spot pubblicitari e vive con Beau, un giovane pompiere che di notte fa lo stripper in un locale. La donna, che ancora non ha elaborato il lutto per la perdita della madre, ha due amiche che stanno attraversando un periodo molto difficile, ossia Patricia, che non riesce a liberarsi di un marito che la tradisce continuamente, e Natalia, che ha perso in un incidente il figlio ancora piccolo. Elsa decide così di attingere dal dolore delle sue amiche e la narrazione si stringe attorno a quell’amarezza che transforms la realtà in qualcosa di teatrale, quasi insopportabile ma di intenso struggimento poetico, portando avanti l’idea che il grande tormento sia il fertilizzante più efficace per l’arte e che si debba manipolare la realtà per curare le ferite della vita. Ci si chiede però fino a che punto possa spingersi l’arte, dato che il vampirismo artistico è un patto faustiano in cui l’artista scambia la propria o altrui umanità con l’immortalità dell’opera, e quando un regista è in crisi il dolore non è più una tragedia ma materia prima sulla quale lavorare, anche se this significa l’annientamento dell’altro. Tuttavia Raoul non riesce a imbastire una storia che lo convinca, i personaggi si perdono e svaniscono, come quello di Beau, ma anche Elsa stessa viene abbandonata nell’isola di Lanzarote insieme a Natalia, in attesa di un finale che non arriva. Sarà l’incontro con Monica, sua ex assistente che dopo vent’anni di collaborazione se n’era andata, a risolvergli il problema ancora una volta, anche se non era quella l’intenzione. Nel febbrile dialogo tra i due emerge la violenza verbale di Monica che attacca il regista per difendere la realtà dall’artificio, e che ironicamente gli fornisce la chiave dell’artificio perfetto. Più lei è autentica, viscerale e rabbiosa, più diventa il personaggio ideale perché finalmente lui la vede senza maschere, ed è proprio quella carne viva che vuole mettere nel film. L’epifania del regista non nasceva dalla tragedia altrui ma dalla storia di come lui stesso ha consumato la vita di chi gli è stato fedele, come Santi, il suo giovane compagno, una figura speculare a Monica, anche lui in disparte e all’ombra del genio ma mosso da un sentimento diverso, non fedeltà professionale bensì amore incondizionato, quello capace di sopportare il narcisismo e le crisi dell’artista pur di stargli vicino. Dietro questa finzione si avverte l'eco della parabola umana del vero Almodóvar, un autore che forse sente di aver già dato il suo meglio, dove tutto quello che c'era da dire è stato detto e subentra l’età della riflessione, il bisogno intimo di confessare i propri limiti e le proprie fragilità, scoprendo il coraggio di chiedersi se si stia perdendo la voce, se si possa ancora cantare o soltanto mormorare. [-]

una storia autoreferendaria? di un regista tronfio di se una storia  dove viene contestato uno scrittore ancora prima dell'uscita del suo lavora???? non è possibile.Film Lento,lento e ancora lento si smuove un pochino nel finale, un oscar perchè  diretto da Aldomovar ???????? sulla scia di un nome?? Due ore di discreta noia.