Palermo Shooting

Wim Wenders torna sugli schermi con una rinnovata vitalità espressiva che, ancora una volta, si srotola nella forma narrativa del viaggio. È stato un piacere, quindi, ritrovarla in Palermo Shooting sotto le vesti, soprattutto, di solitario viaggio interiore così presente in molti film dell’autore, da Alice nelle città (Alice in den Städten, 1973) fino a Falso movimento (Falsche Bewegung, 1975), Paris Texas (Id., 1984) e al più recente Lisbon Story (Id., 1995). Un viaggio che, insieme, è anche una ricerca ossessiva sull’immagine e sul cinema, sul valore e sulla valenza delle immagini cinematografiche nella società contemporanea. Stavolta sembra che il viaggio, fin dal suo incipit, sia segnato in maniera profonda dalla figura della morte. Già nel ‘paratesto’ del film, prima che cominci la storia vera e propria, incontriamo alcune immagini che hanno la valenza di vere e proprie epigrafi: la carrellata iniziale sulle mummie anticipa il successivo incontro con la Morte e, inoltre, sembra una citazione quasi letterale delle sequenze iniziali di Nosferatu, principe della notte (Nosferatu, Phantom der Nacht, 1979) di Werner Herzog. Se in questo film le carrellate iniziali instauravano un senso di orrore nello spettatore e, in qualche modo, lo preparavano all’incontro ‘perturbante’ col vampiro, nell’ultima opera di Wenders esse prefigurano l’incontro con un altro essere ‘vampiresco’, una Morte che ha le sembianze di Dennis Hopper truccato in modo tale quasi da assomigliare al tenebroso Klaus Kinski di Nosferatu. Il protagonista, il famoso fotografo Campino, inizia quasi per caso il suo viaggio da una cupa Germania fino agli abbaglianti (ma anche sinuosamente oscuri) colori siciliani per avviare una ricerca – come di consueto in Wenders – sull’immagine e sul cinema, dove si scontrerà addirittura con la Morte. Uno scontro che sembra una rivisitazione postmoderna della partita a scacchi de Il settimo sigillo (Det Sjunde inseglet, 1956) di Ingmar Bergman. Non si dimentichi, del resto, che anche quest’ultimo aveva fatto agire e parlare la morte entro la ‘danza macabra’ di sapore medievale che è il suo film, e l’aveva rivestita scenicamente di una tuta nera. Nel buio sole di Palermo, nel peregrinare attraverso i suoi vicoli (cadenzato, fra le altre, anche da una canzone di Fabrizio De André, Quello che non ho, ‘citato’ – con un gusto alla Truffaut – anche nella presenza dei suoi dischi che il protagonista trova a casa della restauratrice), la ricerca sull’immagine e sul cinema può quindi continuare: la Morte lascerà libero il fotografo di proseguire la sua ricerca. Forse, alla fine, la vera immagine che si doveva ritrovare era quella delle proprie origini, la casa del passato, il luogo dell’infanzia: quella della madre della restauratrice le cui stanze, dopo tanto tempo, non possono essere attraversate se non in preda al pianto. E recuperare - quasi immedesimandosi nel passato della ragazza attraverso una “corrispondenza d’amorosi sensi” - quelle immagini, quella perduta capacità di guardare alla bellezza del paesaggio. Ecco che il postmoderno Antonius Blok, scampato alla Morte, ritrova la speranza e la bellezza nella luce magica e indefinita di un paesaggio siciliano; una luce piena di buio in cui un altro sguardo, finalmente, lo sceglie e lo porta in salvo. Bande à part