Diplomato all'Accademia di Belle Arti, studiò architettura all'Università di Firenze e, dopo esperienze prima presso Radio Firenze (dal 1946) e poi teatrali semiamatoriali, esordì al cinema nel 1947 come attore in L'onorevole Angelina di L. Zampa. Prese poi a collaborare con L. Visconti ( La terra trema, 1948) firmando le scene di tre spettacoli rimasti famosi: Un tram che si chiama Desiderio di T. Williams (1948), Troilo e Cressida di Shakespeare (1949) e Le tre sorelle di Cechov (1952).

L'affermazione nella regia lirica
Affermatosi successivamente nella regia lirica (dal 1953 con Cenerentola di Rossini alla Scala di Milano), in Italia e all'estero, ha spesso realizzato anche le scenografie dei propri spettacoli (che talora ha affidato a collaboratori come L. De Nobili, P. L. Pizzi, B. Brichetto). Tra le sue regie liriche più note sono da citare L'elisir d'amore e Il Turco in Italia (Milano, Teatro alla Scala, 1955), Falstaff (Amsterdam, 1956), La Traviata (Dallas, 1958 con M. Callas), Lucia di Lammermoor, Cavalleria rusticana e I Pagliacci (Londra, 1959), Bohème e Aida (Milano, Teatro alla Scala, 1963), Tosca (Londra, 1964), Norma (Parigi, 1964), Un ballo in maschera (Milano, Teatro alla Scala, 1973), Otello (Milano, Teatro alla Scala, 1976), Turandot (Arena di Verona, 1983). Per il teatro di prosa si ricorda un Romeo e Giulietta da lui allestito nel 1960 a Londra (e qualche anno dopo in Italia). Altri spettacoli importanti sulle scene italiane Chi ha paura di Virginia Woolf?di E. Albee e Dopo la caduta di A. Miller, su quelle inglesi Otello a Stratford con J. Gielgud, Molto rumore per nulla e Sabato domenica e lunedì di E. De Filippo al National Theatre; su quelle francesi Lorenzaccio alla Comédie-Française.

Il debutto al cinema
Esordì nel cinema come regista (ma già era stato aiutoregista di A. Pietrangeli in Il sole negli occhi, 1953 e Lo scapolo, 1954 e di L. Visconti in Senso del 1954) con l'insignificante Camping (1958) prima di passare alle trascrizioni shakespeariane ( La bisbetica domata, 1967, poco convincente; Romeo e Giulietta, 1968, realizzato invece con eleganza, gusto e notevole studio figurativo). All'insegna di un eccessivo manierismo lirico filmò la biografia di Francesco d'Assisi Fratello sole, sorella luna (1971). Nel 1977 presentò in puntate televisive Gesù di Nazareth.Dopo aver girato negli U.S.A. il patetico Il campione (1979) e l'assai discutibile Amore senza fine (1981), con La Traviata (1982, premio BAFTA per i migliori costumi e la miglior scenografia) è rientrato in possesso d'un controllo più sicuro. Film successivi: Il giovane Toscanini (1988, con E. Taylor e P. Noiret), Amleto (1991), Storia di una capinera (1994) e Jane Eyre (1996).

Il successo di Un tè con Mussolini
Nel 1998, dopo aver curato la regia dell' Aida di G. Verdi per l'inaugurazione del Teatro Nazionale dell'Opera di Tokyo, è tornato al cinema dirigendo cinque interpreti d'eccezione - Cher, Judy Dench, Joan Plowright, Maggie Smith, Lily Tomlin - in un film autobiografico, Un tè con Mussolini. Nel 2002 ha ricevuto il David di Donatello alla carriera. Nello stesso anno è uscito Callas forever (con F. Ardant nei panni della divina) in cui, invece che ricostruire pedissequamente l'esistenza della cantante lirica, Z. preferisce percorrere la via dell'invenzione, con solide basi dovute alla diretta conoscenza della Callas (di cui il regista diresse anche alcune opere).

Few Italians since Fellini have had such an impact in the United States as Franco Zeffirelli, from his flower-child-era film of “Romeo and Juliet” to his opulent productions at the Metropolitan Opera.
As he himself is the first to note: “I am very much loved,” Mr. Zeffirelli said matter-of-factly in a recent conversation. “Eleven top productions at the Met.”
Mr. Zeffirelli — or the maestro, as he is known — is 86 now, but his face looks decades younger, and his eyes still have a mischievous glint. On a sweltering recent afternoon, he held court on the veranda of his villa on the Appian Way, now an Elysian Field for the heroes of the dolce vita years. Several well-groomed dogs milled about, barking. Across the lush garden, guests lounged in the cabana by the pool.
For decades, his films — including “The Taming of the Shrew” (1967), with Elizabeth Taylor and Richard Burton, and “Hamlet” (1990), starring Mel Gibson — have helped make Shakespeare accessible, while his productions of “La Bohème,” “La Traviata” and other Italian operas have kept audiences coming to the Met, which in 2008 honored him with a gala.
Critics, however, have routinely panned his work as “tawdry,” “inflated” and “elephantine,” saying his elaborate sets dwarf the singers. Donal Henahan of The New York Times once referred to Mr. Zeffirelli’s career as “one of the great excess stories of our time.” The Met has replaced some of his productions in recent years, including “Tosca.” A new version directed by Luc Bondy will open the Met’s season this fall.

Yet viewed from Italy — where less is never more — his style seems less over-the-top. At once conservative and campy, he is a central figure in the history of Italian postwar taste, an intriguing nexus between the glory years of Anna Magnani and Maria Callas, the Berlusconi era and the Vatican.
He is famously provocative about all three.
The sex scandal that Prime Minister Silvio Berlusconi has been embroiled in since May, when his wife announced she wanted a divorce and accused him of cavorting with very young women? “What is the scandal?” Mr. Zeffirelli said dismissively. “I think it’s a joke. It’s ridiculous.” “I know that Berlusconi is a man that likes a lot women,” he continued. “I met him when he was a very strong and efficient lady-chaser in the ’70s. When he started he was a very cute boy who couldn’t resist having sex behind doors.”
The maestro and the prime minister share a gift for spectacle. When Mr. Berlusconi was first elected prime minister in 1994, he made Mr. Zeffirelli a senator and later bought him the villa where he now lives, Mr. Zeffirelli said.
Mr. Zeffirelli is exceedingly sniffy about more avant-garde productions and the critics who admire them. “They destroyed the tradition of musical culture,” he said. “They said, ‘Ah, we can’t have Tosca done the same way,’ but the audience loves it.”
He blames critics for opera’s shrinking audience. “It’s like somebody decides that the Sistine Chapel is out of fashion. They go there and make something à la Warhol,” he said. “You don’t like it? O.K., fine, but let’s have it for future generations.”
For years he has tried to drum up interest in a foundation in Florence to house his own work and material he accumulated in his productions.
Mr. Zeffirelli’s taste recalls the opulence of the Roman Catholic Church, and he has coordinated spectacles for the Vatican, including a production of Beethoven’s “Missa Solemnis” in St. Peter’s Basilica in 1970.
But the maestro is not completely enthusiastic about the current pope, Benedict XVI. “When they elected him, I felt the church was making an image error,” he continued. “Catholic is another thing,” he said. “It’s open, it’s theatrical, it’s flashy.” He waved his hands for effect. “When you have to deal with the Vatican — St. Peter’s, ‘The Last Judgment’ of Michelangelo — you have to be larger than life, you can’t be a professor from north Germany.”
In fact, the pope, the former Cardinal Joseph Ratzinger, is a theologian from Bavaria, southern Germany. “Theologically,” Mr. Zeffirelli added, he is “a wonderful man.” The maestro, who in 1977 directed the television miniseries “Jesus of Nazareth,” said he remained a devout Catholic. “There are some doubts about the Virgin Mary,” he said ruminatively. “But not him.”
As portrayed in his semi-fictional 1999 film, “Tea With Mussolini,” starring Maggie Smith, Joan Plowright and Cher, Mr. Zeffirelli, born in 1923, was the product of an out-of-wedlock liaison. His mother, who owned a high-end dressmaking shop, was widowed when he was a boy. He knew his father only “in flashes,” he said. “I remember this gentleman came, especially at night. I woke up and saw this shadowy man naked in bed with my mother.”
Back then, children of “unknown” fathers were assigned surnames starting with a different letter each year. Because he born in the year of “Z,” his mother named him after a Mozart aria with the word zeffiretti, or little zephyrs. A transcription error rendered it Zeffirelli.
He studied architecture at the University of Florence but loved theater. In the late 1940s, the director Luchino Visconti spotted the blond, blue-eyed Mr. Zeffirelli working as a stagehand in Florence. “I begged him, I showed to him my designs as a set designer, that was my dream,” Mr. Zeffirelli said.
His first big break was in 1949, designing the set for the first Italian production of “A Streetcar Named Desire,” directed by Mr. Visconti. “There were lots of stories of Visconti and myself and the relationship that developed,” Mr. Zeffirelli said. “But the quality of my work did not authorize anybody to doubt my serious professional preparation.”
He lived with Visconti for three years. In his 2006 autobiography Mr. Zeffirelli writes that he never liked to discuss his personal life, but that he considers himself “homosexual,” not “gay,” a term he considers less elegant.
Several years ago, Mr. Zeffirelli adopted two adult sons, men he has known and worked with for years who now live with him, dote on him and help manage his affairs. “I missed my father when I was a child, I craved becoming a father myself,” he said. “But the facts of life prevented me from doing it.”
The afternoon was turning to evening. His adopted son Luciano helped him walk through the garden to a bench more suitable for a photo shoot. Mr. Zeffirelli’s cellphone rang. His productions are expensive, the conversation went, and who has money these days? “Only the arena of Verona seems able to do it,” he said into the phone. The Roman amphitheater there is devoting its 2009-10 season to his works.
The maestro was still directing. “In the story,” he said, turning to this reporter and rubbing his fingers together as if pinching salt, his face wincing in the evening glow, “make it alive, make it alive.”
Da The New York Times, 19 agosto 2009

Si diploma all'Accademia di Belle Arti di Firenze e, dopo aver frequentato architettura, s'interessa di prosa lavorando a Radio Firenze (1946). Debutta nel cinema nel 1947, interpretando il ruolo di Filippo Garrone ne L'onorevole Angelina di Luigi Zampa ed assistendo Luchino Visconti sul set de La terra trema; esordisce come regista teatrale due anni dopo con Lulù, ed in seguito si dedica con notevole successo alla regia di opere liriche, attività che svolge con continuità. Il primo film da lui diretto - dopo esser stato aiuto di Pietrangeli per Il sole negli occhi (1953) e Lo scapolo (1956), nuovamente di Visconti per Senso (1954) - è Camping (1958), una commedia di sentimenti piuttosto convenzionale; più personale egli sarà ne La bisbetica domata (1967) ed in Romeo e Giulietta (1968), brillanti trascrizioni shakespeariane realizzate con notevole gusto e sorvegliata eleganza figurativa. All'insegna dell'oleografia e del manierismo sono invece i successivi Fratello sole, sorella luna (1971) ed il kolossal televisivo Gesù di Nazareth (1977); il remake di The champ, diretto nel 1979, indulge ad un'eccessiva furbizia nell'esazione della lacrima, mentre il melodrammatico Amore senza fine (1981) risulta, nel suo manifesto kitsch, sufficientemente godibile. Rigoroso nella trasposizione schermica de La Traviata (1982), più corrivo in quella di Otello (1986), Zeffirelli incappa in un autentico infortunio con il risibile e gigionesco Il giovane Toscanini (1988), parzialmente riscattato da un Hamlet (1990) contraddistinto da una fisicità ed un vigore inusuali nelle scelte di Zeffirelli. Infine, Storia di una capinera (1993) smorza ed annacqua il vigore della pagina verghiana, mentre la trasposizione del brontiano Jane Eyre (1995) va ascritta al novero delle cose sue più riuscite. Il suo ultimo film è Un tè con Mussolini.

Courtesy of RAI International

Franco Zeffirelli sta per arrivare. Un cameriere mi avverte che è in giro per casa con i frati di San Tarcisio per la benedizione di Pasqua. Lo aspetto nell'immenso salone della sua villa sull'Appia Antica, luogo simbolo del successo, quello vero, eterno come le rovine e i ruderi che s'intravedono sullo sfondo del giardino. Alle pareti, una collezione di stampe antiche, una copia perfetta della Monna Lisa di Leonardo, sui tavoli tante foto in bianco e nero, incorniciate in argento: il Maestro, come lo chiamano tutti, è ritratto con Lawrence Olivier, con Rina Morelli e Paolo Stoppa, Franca Valeri scrive una dedica ironica, Brooke Shields e le gemelle Kessler sembrano coetanee, miracoli della fotografia, riesce a ridare come fosse vivo Luchino Visconti, a rendere contemporanei tutti i grandi del teatro e dell'Opera. C'è uno Sting bellissimo e giovanissimo, c'è poi uno spazio a parte per Lei, Elizabeth, la Regina. Con Lei, il Maestro ha un rapporto speciale, ricambiato. Al banchetto di Stato del 15 marzo scorso, dopo il saluto a Ciampi e signora, Elizabeth lo ha elevato al ruolo di un dio che con la sua presenza rende sacri i palcoscenici, «oggi nel Regno Unito siamo ammiratori entusiasti della cultura italiana, della moda italiana e del cibo italiano. I nostri teatri dell'opera sono stati benedetti dalle produzioni del leggendario Franco Zeffirelli...». Il leggendario arriva, seguito dai due frati e un gruppetto di cani trovatelli e traballanti – èper colpa loro che i divani di pelle sono ricoperti con drappi e stoffe.

«Sono sempre stato dalla parte giusta, non ho mai sbagliato una scelta. Nessuno s'azzardi a dire... Anche su Silvio Berlusconi: avevo capito subito, già nel 1994, che il suo progetto era giusto. Mi candidai a Catania, ho creduto in Forza Italia, un partito fondato da tre persone molto capaci: Antonio Martino, Fedele Confalonieri, Marcello Dell'Utri. Altro che Achille Occhetto e la gioiosa macchina da guerra!» L'entrata in scena del regista è solenne, contiene una sfida: «Ma come fanno a tenersi dentro quel mostro? Venti milioni di uomini massacrati dallo stalinismo e loro non ce la fanno a ripudiare, sono ancora lì a dire che il marxismo è giusto, ma... Si appoggiano l'uno all'altro per sostenersi, Cuba sì, Castro nì, nemmeno un uomo colto come Pietro Ingrao riesce a staccarsi. E invece, loro, dovrebbero fare come ha fatto dieci anni fa Gianfranco Fini con il fascismo. Rom-pe-re per sem-pre. Dire: ab-bia-mo sba-glia-to. Adesso, forse, è troppo tardi». Il tono della voce si alza, le frasi sono scandite, il parlare fiorentino s'accentua, Zeffirelli ha ancora un'invettiva da lanciare a «loro», agli intellettuali: «Il conformismo, il politicamente corretto, l'opportunismo, ecco la negazione della creatività. Il conformismo della sinistra è orrendo, vomitoso».
Lui e «loro», un dialogo impossibile. A distanza di decenni, le ferite bruciano ancora. Nel giugno del 1969, Zeffirelli fu espulso dall'Associazione autori cinematografici per essersi dichiarato contro la pornografia, «la mia cacciata, voluta soprattutto da Nanni Loy, fu contestata da Fellini e da Blasetti. Pietro Germi, Ennio Flaiano e Suso Cecchi D'Amico si dimisero, protestando contro il metodo dell'espulsione. Visconti era solidale con me. All'estero, fu un mezzo scandalo». Lontano dall'Italia, il regista che si vanta di avere girato tutti i film in inglese, ottiene grandi successi: dalla Bisbetica domata con Liz Taylor e Richard Burton, a Fratello Sole, Sorella Luna, alle regie delle opere classiche, il pubblico anglosassone impazzisce per i suoi spettacoli. L'altrove, il mondo internazionale e i trionfi nel jet-set ripagano Zeffirelli delle amarezze italiane, che però si sentono ancora tanto. «Nel 1979, il corsivista Fortebraccio scrisse sull'”Unità” un articolo» il regista estrae la foto-copia da un ordinata cartellina, «in cui mi definiva baciapile, regista da cioccolatini. Uno che parla da italiano in funzione anticomunista, uno spudorato”. Il giorno della pubblicazione, giravamo a Cinecittà, per dispetto tutti avevano ben in vista il quotidiano in tasca. La verità è che io li ho fatti strangolane dalla rabbia. Si sono disperati, più mi attaccavano e più io – senza l'aiuto di nessuno – avevo fortuna. Intendiamoci: avevo provato, con Strehler e Visconti, a impegnarmi per il mio Paese. Nel 1971 volevamo prendere noi tre la direzione del teatro Nazionale, all'Argentina. Macché. Pochi sanno che spesso ho finanziato gli spettacoli teatrali di tasca mia e nessuno ricorda che tante volte Luchino Visconti ha dovuto vendere terreni, appartamenti e proprietà di famiglia per andare in scena. Perfino per il suo La terra trema ottenne un anticipo dal Pci, ma poi dovette vendersi le terre per finirlo».
Visconti, aristocratico decadente, e il giovane aiuto-regista Zeffirelli si incontrano a metà degli anni Quaranta, a Roma. Diversi, restano legatissimi anche quando le loro strade si dividono, «mi univano a lui affetto e lavoro. Non ho mai finto di approvare le sue convinzioni comuniste, non eravamo mai d'accordo. Lui si era innamorato di Marx a Parigi, negli anni Trenta. Bellissimo, aveva fatto tutti i tipi di follie: cavalli, amanti dei due sessi, notti in giro. Ebbe una crisi mistica, forse in seguito alla morte della madre, poi il legame con Coco Chanel, la guerra di Spagna, il Front Populaire, la fascinazione per Jean Renoir...
Tutte queste emozioni, insieme forse a una intima percezione del senso di colpa, lo fecero legare al Pci di allora e a due personaggi notevoli come Antonello Trombadori e Pietro Ingrao. Loro erano interessati al personaggio. A volte lo usavano. Io trovai terribile l'apparizione di Luchino alla veglia funebre di Togliatti, tutto vestito di cachemire, accompagnato dal suo ultimo amante».
Anticomunista, antifascista, ex partigiano, cattolico, berlusconiano «fin dal 1981, quando conobbi Silvio Berlusconi in teatro, a Milano, mi piacque subito. Fu l'unico a telefonarmi, alle tre di notte, al Gritti, l'estate del 1988, dopo la violentissima contestazione al festival di Venezia, si erano portati i fischietti in sala per distruggere Il giovane Toscanini, lui solo chiamò, come si fa a non voler bene a un uomo così?». Il Maestro è pieno di progetti. Lo attendono le regie di sei opere, da Mosca alla Scala, dall'Opera di Roma a Tel Aviv. Sta riscrivendo la sua autobiografia, mai tradotta in Italia, e sogna di realizzare il film del cuore: I fiorentini, storia ambientata nella Firenze della fine del Quattrocento. La politica lo scalda e lo intriga sempre: «Per quelli della mia età, era una materia scolastica. C'era il sabato fascista, si cantavano gli inni, era noiosissimo. Noi li storpiavamo. “Giovinezza, giovinezza, primavera di bellezza” diventava: “Giovinetta, giovinetta, culo largo, fica stretta”. Il mio gerarchetto di allora, a Firenze, si chiamava Arnoldo Foà, ebreo antinazista. Arrivarono le leggi razziali e capimmo subito che si trattava di una vergogna, gli amici sparivano dalle scuole, la propaganda voleva convincerci della diversità degli ebrei spiegandoci che puzzavano, non si lavavano. Un orrore, siglato dalla nostra monarchia con la firma delle leggi del 1938, un orrore che ha squalificato per sempre i Savoia. In parrocchia a Firenze, dai frati di San Marco, vedi com'è importante per me la religione, c'era un ometto, un professore di storia del diritto romano, molto simpatico, ci faceva giocare a ping-pong, ci parlava della Madonna e della politica, per lui fascisti, nazisti e comunisti erano la stessa cosa: li univa l'ideologia, l'inseguire un ideale errato. Era Giorgio La Pira. Nel settembre del 1943, andammo da lui, dal professore, a chiedere consiglio. Noi ragazzi non sapevamo che fare, c'era chi si murava in casa, chi si dava alla macchia. Ci consigliò di andare a raggiungere i partigiani sulle montagne sopra Firenze».
Ripensando a quei giorni, il regista confessa di ricordare oggi, «quello di cui alcuni comunisti, quelli delle bande più terribili, erano stati capaci, perfino di sparare alle spalle ai partigiani non comunisti...». Il 2 giugno 1946, il giovane Zeffirelli non ha dubbi: «Votai per il Psi. Il meglio che c'era. Dopo le dittature, in Spagna, in Germania e in Italia trionfarono i partiti che difendevano la dignità dell'uomo e i diritti dei lavoratori. Ero affezionato a Pietro Nenni, purtroppo però ha commesso due errori irreparabili: la scissione di palazzo Barberini e la medaglia d'oro del premio Stalin. Se avesse scelto di stare dalla parte giusta, la nostra storia sarebbe andata in modo diverso». Il sole finalmente filtra dalle vetrate. Fuori, i giardinieri attendono il Maestro. Le piante, appena potate e seminate, hanno bisogno d'essere sistemate da lui. Al ritorno in città, l'Appia diventa malinconica: i grandi del cinema hanno tutti abitato qui. Dei fasti di allora, sono rimasti soltanto i ricordi
Da Registi d'Italia, Rizzoli, Milano, 2006

Lungo la strada aperta da Visconti, e là dove Castellani fallisce perché si volge indietro e non accetta di cavalcare la produzione e di assecondarne i movimenti, come fa De Sica, si muove invece Franco Zeffirelli, che, dopo esordi al limite dell'anonimato negli anni Cinquanta, decide di lavorare per il cinema utilizzando la sua esperienza professionale maturata come aiuto regista di Visconti ai tempi di La terra trema, Bellissima e Senso e come regista teatrale e d'opera lirica di grande successo internazionale dagli anni Cinquanta.
Della lezione di Visconti rimane indubbiamente in Zeffirelli il gusto per lo sfarzo della messa in scena e per il rigore con cui lo spettacolo è dominato, e, da ultimo, la scelta molto tradizionale di costruzione scenografica e concezione recitativa. Come Visconti anche a Zeffirelli interessa soprattutto approfondire un'idea classica di regia e di direzione d'attori che possa egualmente funzionare per lo schermo e il palcoscenico e che si fonda su un'ottimizzazione di tutti gli elementi dello spettacolo, dalle scenografie, ai costumi, alla recitazione, all'illuminazione alla costruzione visiva della scena.

Zeffirelli passa in effetti a dirigere i primi film «d'autore» trasportandovi di peso la sua concezione di regista teatrale e usando dello specifico cinematografico per esaltare la recitazione ed elaborare un'iconografia quasi predisegnata a tavolino, secondo stereotipi visivi di grande accuratezza, ma prevedibili. Prevedibile è anche la sua preferenza per opere shakespeariane (La bisbetica domata e Romeo e Giulietta, Amleto), realizzate con capitali americani e in perfetto stile hollywoodiano per quanto riguarda la concezione spettacolare, ma con un'attenzione non trascurabile alle possibilità di lasciare dei segni più propriamente italiani. In effetti dal punto di vista interpretativo si assiste a una decisa italianizzazione dello spirito shakespeariano e a un uso massiccio di luoghi autentici in cui ambientare le storie di Giulietta e Romeo, di Otello, ecc. I testi originali sono drasticamente ridotti per lasciar spazio alla rappresentazione dei luoghi e allo splendore dei costumi (è stato calcolato che rimane solo il 30% della Bisbetica domata, il 35 % di Romeo e Giulietta e il 37% di Amleto). Nel suo primo film shakespeariano Zeffirelli gioca, alla fine degli anni Sessanta, con i problemi del femminismo nascente e in lotta con il potere maschile che non intende rinunciare ai suoi privilegi, ma al di là del profumo del tempo le versioni shakespeariane di Zeffirelli sembrano oggi costituire una grande occasione per esaltare quella bottega artigiana di tipo rinascimentale che costituisce uno dei punti di forza del cinema italiano almeno fino all'avvento degli effetti speciali al computer. L'accettazione delle regole per la confezione di un buon prodotto spettacolare, raffinato figurativamente e ineccepibile dal punto di vista della regia, di sicuro effetto, viene confermata da tutta la produzione degli anni Settanta, che passa attraverso grandi temi religiosi per approdare finalmente a storie più vicine ai giorni nostri (ma sempre fondate su modelli metastorici). Nell'ultima produzione le storie sono raccontate da un regista che vuoi dimostrare apertamente come il suo processo di americanizzazione è del tutto compiuto, senza che siano peraltro snaturati i suoi caratteri originari. I titoli sono: Fratello Sole, sorella Luna (1973), su san Francesco d'Assisi, Gesù di Nazareth (1977), The Champ (II campione, 1979), Endless love (Amore senza fine, 1981) e II giovane Toscanini.
Nel 1982 dirige una versione cinematografica della Traviata con un cast in cui brillano Teresa Stratas e Placido Domingo, nel 1987 porta sullo schermo Otello.
Nel 1994 dirige Storia di una capinera da Verga e nel 1995 Jane Eyre da Emily Bronte, opere in cui di colpo il regista sembra trovare una vena narrativa quasi intimistica non condizionata dal palcoscenico, unita a una toccante e inedita capacità di comunicare il senso di solitudine e di infelicità che può accompagnare per ragioni intcriori o esterne il breve percorso dell'adolescenza. Zeffirelli si considera un outsider nel cinema e in effetti le sue opere, pur ineccepibili dal punto di vista dell'accuratezza registica, non sembrano, come avviene per Visconti, mai intrecciare i percorsi del cinema contemporaneo, né avvertirne le tensioni e i mutamenti. Zeffirelli è un sovrano della scena lirica dell'ultimo quarantennio e per molti aspetti è stato l'ideale successore di Visconti. Il suo nome è garanzia di sicuro successo per teatri come il Metropolitan, il Covent Garden, la Scala e la critica musicale internazionale lo ha osannato in molte occasioni. La critica cinematografica italiana invece non lo ha mai amato né osservato con simpatia. Nessuno gli ha dedicato una monografia, ben pochi lo hanno preso sul serio. Per fortuna Zeffirelli soffre di complessi di superiorità, di sindromi di onnipotenza, di uno sfrenato narcisismo, altrimenti avrebbe avuto buone ragioni per sviluppare manie di persecuzione o teorie del complotto nazionale e internazionale. Da un certo momento inizia a raccontare storie che non attingono più a fonti letterarie o teatrali e alla fine degli anni Novanta riesce a realizzare Un té con Mussolini, accurata rievocazione, della propria infanzia e insieme di un momento cruciale della storia d'Italia alla vigilia e durante la seconda guerra mondiale è una delle sue opere più felici in cui riesce a dispiegare al meglio le sue capacità registiche. Egualmente coinvolto sul piano personale e carico di passione il film del 2002 dedicato alla ricostruzione dell'ultimo anno di vita di Maria Callas (Callas Forever).
Da Gian Piero Brunetta, Il cinema italiano contemporaneo. Da «La dolce vita» a «Centochiodi», Laterza, Roma-Bari. 2007