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La politica degli autori: Baz Luhrmann

Uno dei cineasti pi� rappresentativi della contemporaneit�.

marted� 14 maggio 2013 - Mauro Gervasini

Baz Luhrmann, australiano, classe 1962, � uno dei cineasti pi� rappresentativi della contemporaneit�, figlio (forse degenere) di quegli anni 90 disorientati perch� cerniera tra l'horror vacui del decennio precedente e la forzata ripresa di tragicit� del nuovo millennio. Ex attore, ex commediografo, regista e produttore di opere debordanti, molto personali, provocatorie sin dalla scelta delle "fonti". Che adesso Luhrmann abbia pensato a una versione stereopop di Il grande Gatsby ha preventivamente infastidito un sacco di gente. Non avendo ancora visto il film (apre il 15 maggio il Festival di Cannes, sar� nelle sale italiane dal giorno successivo) possiamo solo basarci sui trailer e sulla sensazione a pelle, che per� non vale in sede critica. Luhrmann parla nelle interviste di una versione sua, non necessariamente dissacrante ma certo dall'immaginario radicale, bench� da un punto di vista iconico appaiano rispettati i riferimenti alla cosiddetta et� del jazz del romanzo. Di sicuro il regista � audace, perch� quello di Francis Scott Fitzgerald � un libro di per s� magmatico, difficile da immaginare in una versione altra rispetto a quella del suo autore (infatti, diciamolo, molto deludente � la classica riduzione del 1974 con Robert Redford e Mia Farrow, scritta da Francis Ford Coppola). Continua �

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Confessioni di menti pericolose

Microcosmi del malessere in Confessions.

domenica 12 maggio 2013 - Roy Menarini

Il primo sentimento nei confronti del film di Tetsuya Nakashima � l'invidia, declinata in diverse direzioni. Invidia, senza dubbio, per il talento del regista, che si conferma purissimo dopo alcune prove destinate ad essere apprezzate soprattutto dai cultori del cinema nipponico. Invidia verso la salute di questa stessa cinematografia, che dopo un periodo di appannamento, sembra stia ritrovando - nell'immediato pre e post-Fukushima - una dolorosa quanto ardita capacit� di ricerca. Ma l'invidia pi� acuta si nasconde nel paragone impossibile con il cinema italiano. Qui non ci sono scuse: Confessions non � un'opera che possa considerarsi inimitabile per motivi di budget o per dimensione tecnica. Molto pi� semplicemente, Confessions � un film "impensabile" (nel senso di non concepibile nemmeno nell'anticamera del cervello di un produttore) per la nostra cinematografia.
Il rilievo che qui proponiamo non va considerato un puro escamotage polemico. Serve, anzi, a scontornare l'elemento pi� disarmante del film di Nakashima, ovvero la rappresentazione del malessere e della disperazione nei confronti delle istituzioni e della societ�. Sebbene il thriller percorra vie destinate a sconvolgere gli spettatori per ben altri motivi che non l'analisi sociale, qui si potrebbe invece riflettere proprio su questo aspetto - il pi� irrappresentabile da noi. Come se si trattasse di una leggenda folclorica da focolare (la maestra che si vendic� dei suoi allievi), il racconto apocalittico - con le radici ben piantate nella contemporaneit� giapponese - trova la sua forza proprio nel ricorso a un contesto riconoscibile, quale quello della scuola e del rapporto con i media. Il totale collasso giovanile descritto da Confessions, insieme con le insufficienze degli adulti e la violenza dei vinti (desiderosi di vendetta), fa davvero impressione a uno spettatore occidentale. Il quale, tuttavia, sbaglierebbe a considerare questa storia come tipica di un paese lontano, in preda a una seria crisi generazionale. Anzi, faremmo bene a non considerare esotico o alieno questo malessere, e a non crederci impermeabili. Bullismo e follia non sono forse al centro delle cronache delle vecchia Europa, in maniera non tanto differente da quel Giappone, dilaniato nei suoi gangli istituzionali pi� profondi, descritto da Nakashima?
Ci� non significa che dobbiamo interpretare Confessions - con il suo stile caleidoscopico, i suoi siparietti ipermelodrammatici, l'approccio stilistico barocco - come un film squisitamente realista. Si tratta, per�, di un modo originale e (appunto) inedito da noi, di trattare con durezza e persino sensazionalismo estetico una piaga culturale drammatica. Come a dire: quando tra genitori e figli si interrompe qualsiasi fiducia, e anzi gli uni divengono i nemici di sangue degli altri, la societ� si trova al punto di non ritorno.

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La politica degli autori: Pablo Larra�n

Uno dei maggiori talenti cinematografici di oggi.

mercoled� 8 maggio 2013 - Mauro Gervasini

� all'unanimit� considerato uno dei maggiori talenti cinematografici di oggi Pablo Larra�n, cileno, classe 1976, autore finora di quattro soli lungometraggi e di una serie tv coprodotta da Hbo ancora inedita in Italia (Profugos). Il suo ultimo film, No - I giorni dell'arcobaleno, esce nelle sale italiane il 9 maggio dopo aver sorpreso l'anno scorso il pubblico della Quinzaine des r�alisateurs di Cannes e pi� recentemente quello del Torino Film Festival. In un mese che pare consacrato al recupero della cultura cilena in tutte le sue forme (il Cile � paese ospite del Salone del libro di Torino che inaugura il 16 maggio) Larra�n ricorda come il continente latino americano sia in fermento anche politicamente. La democrazia faticosamente risorta a Santiago ha solo 25 anni ma va all'arrembaggio pi� di altre. Il cinema del regista - peraltro figlio dell'ex presidente del partito conservatore UDI che appoggi� Pinochet e di Magdalena Matte, attuale ministro allo sviluppo urbano nel governo di destra di Pi�era - ricorda quanto siano ancora aperte le ferite del passato, quanto ancora sia complicato elaborare in maniera condivisa una dittatura che ha pesantemente condizionato la vita nazionale negli ultimi quattro decenni.

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Guardare in faccia la fine

Miele, il cinema e il trapasso.

domenica 5 maggio 2013 - Roy Menarini

Tra i tanti motivi per i quali Miele di Valeria Golino rappresenta una sorpresa nel panorama del cinema italiano, c'� sicuramente la sensibilit�. Non � un caso che Marco Bellocchio, in Bella addormentata, pur scegliendo altre strade (talvolta grottesche, talora astratte), abbia sottratto allo sguardo degli spettatori il corpo e il volto di Eluana. A Bellocchio interessava narrare l'identit� simbolica della nazione, aggrumata in maniera scomposta e spesso delirante da quel caso di cronaca clinica cos� doloroso. L'intento di Miele � altro, quasi il contrario. La protagonista - e noi con lei - vede e conosce i morituri, spiega loro le procedure per morire, rende tecnico il suicidio assistito e normativo (sebbene illegale) il modo per farlo. Ogni volta la sfida � pi� complessa: dai volti di anziani sofferenti si passa a quelli di un giovane prigioniero del proprio corpo e infine alla personalit� forte e spiazzante di un uomo che non ha alcuna malattia, ma pretende di morire alle sue condizioni, facendosi assistere per quel tanto che basta.
La Golino, per�, rispettando una nota legge etica della teoria del cinema, esclude di rappresentare il momento del trapasso, in quanto "osceno". Ora, si potr� anche sorridere di un imperativo morale autoimposto e - probabilmente - poco sostenibile da un punto di vista filosofico. Se per� ce ne interessiamo da un punto di vista estetico, possiamo ben vedere come la rappresentazione della morte, dell'addormentamento per barbiturici e del conseguente abbandono della conoscenza e della vita, sarebbe apparso melodrammatico, sarebbe suonato falso e avrebbe costretto a una finzione scenica in contraddizione con i presupposti del film. Quali? La tensione corporea di Jasmine Trinca, costretta a mutamenti d'abito che la trascolorano fino a un grigiore androgino e indistinto; l'insopportabilit� delle tecniche di suicidio, narrate come una procedura tra le altre ma sospese in pochi minuti tra il gesto pi� ripetuto e quello fatale, dal quale non si torna indietro; il dubbio sul limite del singolo di fronte alla fine della vita, e su quando chi assiste deve fermarsi.
Il personaggio interpretato da Carlo Cecchi, ispirato a Mario Monicelli e Lucio Magri, offre la lezione pi� importante, ambigua al punto giusto perch� al pubblico non sia fornita una sola prospettiva ma venga lasciata ampia libert� di opinione. L'interesse di Miele sta proprio nel fatto che questa opinione non scaturisce tanto dagli avvenimenti e dal valore che ad essi attribuiamo, bens� dall'interpretazione sociale e collettiva di quel che abbiamo visto. I comportamenti dei personaggi, in buona sostanza, ci interrogano su che cosa sia lecito fare o non fare, e che tipo di conseguenze abbiano certe scelte di fronte a coloro che ci circondano. In fondo, pur nella sua drammatica complessit�, il tema � tutto qui: se sia pi� importante la libert� del singolo di fronte alla morte, o se le sue scelte siano da proiettare in un pi� ampio contesto di relazioni umane e sociali (compresa l'idea che uno Stato rischi di contraddire se stesso nel momento in cui autorizza l'eutanasia di un proprio cittadino).
Si tratta, come si pu� ben vedere, di argomenti a dir poco sensibili, che la Golino ha il merito di rendere urticanti, persino sgradevoli, per non sottrarsi al problema di come possano morire i sofferenti, e senza dimenticare la riflessione su quali forme cinematografiche dare a tale, improbo compito.

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La politica degli autori: Michele Placido

Un artista irrequieto e con un sacco di cose da dire e mostrare.

marted� 30 aprile 2013 - Mauro Gervasini

Facile sarebbe in questo caso giocare sulla confusione: politica dell'autore o dell'attore? Trattandosi di Michele Placido, 67 anni il prossimo 19 maggio, una cosa vale l'altra. Adesso ci interessa il regista: dal 1990, anno del suo esordio dietro la macchina da presa con Pummar�, spirito inquieto che attraversa i generi e gli stili, bulimico di storie, volti, idiomi, memorie che appartengono al suo vissuto personale, a quello della storia con la s maiuscola come nel caso del 68 di Il grande sogno (2009), alla sua esperienza di interprete (oltre 90 titoli all'attivo). Il Placido irruento e furioso che si prende anche un po' in giro nel Caimano di Nanni Moretti, dalla biografia frastagliata. Ex poliziotto nella Celere romana, poi attorgiovane di bellissime speranze, nome sempre pi� significativo a teatro e soprattutto al cinema, di nuovo in polizia ma questa volta sul piccolo schermo, commissario Cattani in La piovra, anno di grazia 1984, regia Damiano Damiani. Un successo internazionale senza precedenti per una produzione italiana. Continua �

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Un supereroe industriale

Iron Man 3 e il progresso americano.

domenica 28 aprile 2013 - Roy Menarini

Ormai lo sanno tutti. Alla fine dei film della Marvel non bisogna uscire prima dei titoli di coda. Anche questa volta c'� una sorpresa, che ovviamente non raccontiamo, importante tuttavia poich� svela il meccanismo narrativo della "voce over" nel film. In effetti, la voce di Stark ci accompagna, in questo terzo capitolo della saga, quasi in forma confidenziale, come se facesse i conti in definitiva con il suo essere al tempo stesso eroe e parodia dello stesso. I passaggi dall'ironia all'azione e viceversa - non a caso il regista � Shane Black, inventore o quasi dell'action comedy anni Ottanta/Novanta grazie alla sceneggiatura di Arma Letale e L'ultimo boy scout - servono anche in questo caso a produrre l'ennesima riflessione sul supereroe nella cultura contemporanea.
Quel che interessa del personaggio di Iron Man, in verit�, continua ad essere il suo tratto essenziale, presente fin dal primo capitolo (e ovviamente necessario anche nei fumetti): l'identit� industriale dell'eroe. Iron Man, pi� di ogni altro mito popolare, � figlio della cultura imprenditoriale americana, del progresso spinto ai limiti, dell'invenzione che usa enormi capitali per trovare risultati che proteggano la societ�. Una retorica vecchia a morire, che talvolta rischia di sovrapporsi con l'industria bellica (debito pagato col primo capitolo) e altre volte necessita di un nemico eguale e contrario per giustificarsi, come succede in Iron Man 3 attraverso gli antagonisti, scienziati al servizio della distruzione.

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La politica degli autori: Rob Zombie

Rockettaro e tatuato, un regista dallo stile stordente ed estremo.

mercoled� 24 aprile 2013 - Mauro Gervasini

Soprattutto per effetto del successo di Scream, diretto da Wes Craven e scritto da Kevin Williamson a met� degli anni 90, che gi� pareva parodistico ben prima di Scary Movie, l'horror americano ha rischiato di perdersi. Da una parte il citazionismo eccessivo e appunto semiparodistico, dall'altra la nauseante ridondanza dei remake di classici gi� serializzati tipo Non aprite quella porta. In mezzo, lo sviluppo ossessivo del found footage, sulla falsariga di The Blair Witch Project (che gi� citava il nostro Cannibal Holocaust), come principale meccanismo narrativo ed estetico. Risultato: una noia mortale. E salvo qualche eccezione, nessuna paura. A salvare la baracca � arrivato proprio nel 2000 un regista rockettaro e tatuato, Robert Bartleh Cummings, classe 1961, che si � scelto come nom de plume Rob Zombie dopo avere scorrazzato sui palchi di mezzo mondo suonando e cantando nella band White Zombie. Il destino nel nome quello del gruppo, ispirato all'omonimo film con Bela Lugosi del 1932 (in Italia noto come L'isola degli zombi). Senza mai scordare il primo amore per l'hard rock (il Nostro ha appena pubblicato un nuovo album: "Venomous Rat Regeneration Vendor") Rob Zombie esordisce all'inizio del millennio con La casa dei 1000 corpi, storia di una famiglia di acidi pazzi omicidi che mescola la sottocultura degli ammiratori di Charles Manson al macabro di Non aprite quella porta, con un pizzico di grottesco pop estratto dalla serie tv dei Mostri (The Munsters) di cui il regista � fan. Continua �

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Dentro la casa dei mille racconti

La narrazione cinematografica secondo Ozon.

domenica 21 aprile 2013 - Roy Menarini

In una sua riflessione estemporanea, Enrico Ghezzi ha proposto che il personaggio di Schultz in Django Unchained funga un po' da commentatore in diretta del film e dei suoi avvenimenti: colui che chiosa, spiega e analizza i propri e altrui gesti. Bene, la stessa cosa - e in maniera pi� esplicita - si pu� dire del professor Germain nei confronti del materiale narrativo che gli proviene dal giovane coprotagonista (e in fondo dal film stesso) in Nella casa di Fran�ois Ozon. Un po' come in tanti altri esperimenti narrativi postmoderni - viene in mente il dimenticato Get Shorty - il racconto non solo prende vita secondo il modellamento che gli stessi protagonisti sembrano offrirgli, ma si dipana di fronte ai nostri occhi comprensivo dei commenti di chi lo abita.

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Alla ricerca del futuro

La fantascienza vintage in Oblivion.

domenica 14 aprile 2013 - Roy Menarini

� curioso che in un film dove la memoria dei protagonisti � stata cancellata, i riferimenti ad un'altra memoria - quella del cinema - siano cos� numerosi. Da quando Oblivion � uscito nelle sale, non si fa altro che elencare il maggior numero di citazioni e allusioni possibili presenti nella pellicola, che coprono praticamente tutto la storia di questo genere. In verit�, la predilezione di Joseph Kosinski sembra andare alla science fiction degli anni Settanta, con un occhio a Zardoz, uno a 2002 - La seconda Odissea e una mano nel cilindro del sottogenere distopico e orwelliano.
In gioco, nel profondo, c'� una vera e propria estetica della fantascienza. Non tutti i generi sono uguali tra di loro. Il cinema d'autore e il contesto del cinema cosiddetto drammatico sembrano richiedere una maggiore originalit� proprio per la loro stessa ambizione di offrire sguardi e percorsi inediti nella nostra vita. Generi codificati come l'horror e la fantascienza - spesso in fertile e reciproco dialogo - operano in altre direzioni. L'originalit� in senso stretto (sempre che esista dopo quasi centoventi anni di cinema) non � presupposto essenziale, caso mai un sapiente equilibrio tra consapevolezza storica e rilancio d'immaginario. Oblivion � uno dei pochi film di science fiction contemporanei che sembra possedere il respiro del classico, anche se fiaccato da alcuni passaggi meno felici e personaggi secondari incerti. I temi profondi che la fantascienza si incarica da sempre di sollecitare, ci sono tutti: la memoria riprodotta, l'intelligenza artificiale, l'alieno come altro da noi, la metafora del cataclisma e della guerra come nascosto desiderio di palingenesi, la crisi dell'identit� personale. A sua volta, la dimensione formale e iconografica del film obbedisce, s�, al sincretismo tipico di questo genere almeno a partire dagli anni Ottanta, ma predilige (e coglie) uno stile egemonico sulla mera amalgama, uno stile composto di chiarore e nitidezza in opposizione alla dimensione oscura e tenebrosa della tradizione alla Metropolis/Blade Runner.
In buona sostanza, la riuscita di Oblivion potrebbe essere riassunta nello slogan: temi vintage con messa in scena tecnologicamente avanzata. � anche nella realizzazione tecnica, infatti, che si nasconde la promessa della fantascienza, legata allo stupore e alla credibilit� (se non verosimiglianza) dei mondi rappresentati. E tornando ai temi elencati poco fa, Oblivion acuisce la sensazione di un catastrofismo che occulta il suo contrario, un'aspirazione al completo rimodellamento dei rapporti umani e civili, una fantasia talvolta commovente di recupero del passato ancestrale: due elementi che si potrebbero tacciare di superficialit� e sentimentalismo, ma che - al contrario - ricordano la funzione primaria della fantascienza. Quella di raffigurare eventi talmente immensi e incontrollabili da far pensare che solo un cinema all'altezza di questo immaginario possa contenerli e raccontarli.

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Hemingway & Gellhorn: storia di guerra e di passione

Il film tv sulla relazione tra lo scrittore e la giornalista.

gioved� 11 aprile 2013 - Rossella Farinotti

Negli Stati Uniti il 2 aprile � uscita in dvd una serie di cui in Italia ancora non si era parlato, e che a breve sar� acquisita da una emittente nazionale, una delle due major pi� importanti, Rai o Mediaset. Questo "disinteresse" � quanto meno singolare, dati i personaggi in gioco. La protagonista Martha Gellhorn non � forse un nome cos� noto al grande pubblico, ma quello di Ernest Hemingway lo �. E lo sono quelli di Nicole Kidman e di Clive Owen, i protagonisti, due numeri uno del grande schermo.

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